vivejazz

"Black Radio" / Robert Glasper

2012-01-25T18:43:00.003+01:00

El proyecto "Robert Glasper Experiment" tiene sus puntos de conexión con otros de parecidas características, como el protagonizado por el trompetista Roy Hargrove, denominado "RH Factor". En ambos se pretende un estilo de música urbano, mezclando elementos del jazz y otros ingredientes como el hip-hop, soul o rock. El pianista tejano Robert Glasper (Houston 1978), es una de las nuevas sensaciones del jazz de los últimos años, desde la edición de su primer disco "Mood" (2003). Su trabajo, está directamente relacionado con algunas de las figuras más relevantes del hip-hop, rap y soul (Bilal, Mos Def, Common, Meshell Ndegeocello, Erykah Badú y Kanye West, entre otros), ofreciéndoles a todos ellos su aportación jazzístico-contemporánea y vanguardista.

Glasper ha tocado en diferentes bandas con músicos que van en su misma o parecida línea estilística y que también saben, como él, desenvolverse en ambientes jazzísticos más tradicionales, aunque su inclinación, por edad, gustos y convicción, está mucho más cerca de sonidos actuales. En este sentido, ahí están sus colaboraciones con los guitarristas Russell Malone y Mark Whitfield, el bajista Christian McBride y los trompetistas Terence Blanchard y Roy Hargrove. Tras su primer disco, Glasper ficha por el sello Blue Note, firma en la que graba sus siguientes álbumes incluido el reciente "Black Radio", todo un tratado de evolución del jazz hacia experiencias y sensaciones nuevas en este Siglo 21. Me ha dejado perplejo, para bien, por ejemplo, un arreglo que hace del tema del grupo Nirvana "Smells Like Teen Spirit", revisándolo al jazz-soul urbano. En "Black Radio", puedes escuchar algunas voces que, bajo la instrumentación y arreglos de Glasper, interpretan de forma increíble temas como "Afro Blue", el clásico de Mongo Santamaría, cantado por Erykah Badú, "Cherish The Day", composición de Sade en interpretación de Lalah Hathaway, o su propio tema "Always Shine", en compañía de Lupe Fiasco y Bilal. Tocando piano acústico y eléctrico, Robert Glasper es el productor también de "Black Radio", su "experimento" más reciente en el que ha sabido aglutinar todo tipo de energías positivas procedentes de excelentes músicos y cantantes, todos ellos muy conscientes de haber trabajado con uno de los artistas con más proyección y calidad del jazz actual.

"In The Spirit Of Jazz" /Magic Moments 5

2012-01-14T23:39:00.002+01:00

La grave crisis económica, que también golpea con fuerza a la industria discográfica europea, no impide que algunas compañías, pocas, del viejo continente prosigan con la difícil tarea de editar discos con una más que notable regularidad en los tiempos que corren. Generalmente, son aquellas para las que la música y su idea de la misma están por encima de lo que es negocio puro y duro. Muchas veces hemos resaltado la importancia que para nosotros ha tenido en las dos últimas décadas el sello ACT como plataforma de algunos de los músicos o cantantes de jazz más destacados a nivel europeo. Disco a disco, hasta más de 250 referencias. esta firma es más que un referente dentro de su estilo y su catálogo está rebosante de "nueva energía" para que el jazz afronte el futuro con intenciones renovadoras.

"In The Spirit Of Jazz" / "Magic Moments 5", es un recopilatorio antológico del catálogo del sello ACT y una "ventana" en la que se asoman sus artistas más representativos. Sbjörn Svenson fue uno de esos músicos rupturistas que consiguieron, desde el jazz, interesar a las audiencias más jóvenes, falleciendo a los 40 años mientras practicaba el buceo. Su trío, fue el primer grupo europeo en aparecer en la portada de la prestigiosa revista estadounidense DownBeat; "Prelude In D Minor" es uno de los "magic moments" del álbum. Exquisita la versión que el músico francés Nguyén Lé, de ascendencia vietnamita y la cantante coreana Youn Sun Nah realizan sobre el tema beatle "Eleanor Rigby". Los italianos Danilo Rea (piano) y Flavio Boltro (trompeta), tras la grabación reciente de su disco "Opera", han aportado a la recopilación el tema "Lasciatemi Morire", de la obra "Ariana" de Claudio Monteverdi. Al trombonista Nils Landgren, podemos escucharle a dúo junto al pianista Michael Wollny, interpretando el tema de Sting "Fragile" y, también, acompañando a la cantante Ida Sand, en el tema "Love Is Real". La variedad de repertorio de "In The Spirit Of Jazz" te acerca también a la música del grupo Red Hot Chili Peppers con "Under The Bridge", uno de sus grandes éxitos con el saxofonista Lutz Streun a la cabeza de un grupo que se encargó en un monográfico de trasladar al jazz los éxitos de esta banda de rock. El baterista del grupo Metro, Wolfgang Haffner, músico y compositor de un talento extraordinario como en tantas veces hemos podido comprobar en disco y directo, aporta "Heartbeat", ejemplo de ese jazz que mira al futuro sin complejos y que tan bien sabe valorar la firma discográfica ACT en este sampler que incluye 18 temas de su más selecto catálogo.

"Same Girl" / Youn Sun Nah

2011-11-03T11:31:00.003+01:00

Llegó al universo jazz casi de manera casual, descubrió a sus 27 años y en Francia a las grandes "divas" del estilo y, en la actualidad, es una de las voces más apreciadas a nivel europeo. Hija de un director de coro y madre actriz de musicales, la cantante coreana Youn Sun Nah empezó a colaborar con la Korean Symphony Orchestra a la edad de 23 años. Tras esta y otras primeras experiencias en su país de origen, sin tener una idea muy clara de un estilo predominante para su carrera, se traslada a Paris en el 95 y hace una apuesta fuerte por el jazz como hilo conductor de su trayectoria como cantante. Muy pronto, su originalidad y pasión a la hora de interpretar no pasan inadvertidas en Francia. En el 99, edita su primer disco "Voyage" y se convierte en una de las grandes estrellas de la escena del jazz en el país vecino, abriéndole las puertas de conciertos y festivales en todo el mundo.

La firma discográfica ACT, una de las más prestigiosas a nivel de jazz europeo, caracterizada por la "caza" de nuevos talentos, tuvo una vez más la habilidad de "fichar", en este caso a Youn Sun Nah, para ampliar su más que interesante catálogo. El siguiente paso, fue poner a su disposición un grupo de calidad contrastada en el que destacan los músicos suecos Ulf Wakenius (guitarra) y Lars Nanielsson (bajo). La consecuencia de esta cuidada planificación, es su segundo disco "Same Girl", título de uno de los éxitos de Randy Newman, en el que Youn Soun Nah muestra lo ecléctico de su repertorio y gustos musicales. Buena parte de la crítica, esto simple es opinable, la ubican entre Bjiörk y Melody Gardot, aunque su fuerte personalidad se impone sobre cualquier influencia desde que empiezas a escuchar el "clásico" "My Fovorite Things", uno de los temas de los compositores Rodgers y Hammerstein para el musical "The Sound Of Music". Piensas que esta puede ser la línea de todo el disco, pero a medida que vas escuchando "Same Girl", te encuentras con "Enter Sandman", composición del grupo de rock Metallica, "Uncertain Weather" o Pancake", compuestos por ella, "Song Of No Regrets", de Sergio Mendes u, otra de sus especialidades, la "canción francesa" representada por "La Chanson d'Helene" (P. Sarde) o "Avec Le Temps" (Leo Ferre). De este disco, acaba de aparecer una edición de coleccionista (2 CD's) en el que se incluyen temas inéditos y el videoclip de "My Favorite Things".

"Guitar Man" / George Benson

2011-11-01T16:26:00.000+01:00

El ha sido "responsable" directo de la evolución del jazz hacia formas musicales asequibles para una gran mayoría de escépticos que, a mi entender de manera equivocada, aprecian en el jazz un estilo que se les escapa de las manos y al que les resulta difícil llegar o entender. George Benson fue uno de los primeros músicos de jazz en reducir la duración de sus temas y editarlos pensando en su programación radiofónica. A lo largo de su extensa discografía, álbumes como "Breezin'", "In Flight", "Livin Inside Your Love", "Weekend In L.A." o "Give Me The Night", han logrado unas cifras de ventas impropias de un instrumentista y cantante de jazz, siendo por ello también, yo creo que injustamente, muy criticado por los sectores más conservadores del jazz más tradicional. Cierto es que algunos de los últimos discos de Benson, se han caracterizado por una excesiva comercialidad y por buscar en demasiadas ocasiones el recurso de la interpretación vocal, dejando bastante a un lado lo que más gusta de este genial músico: el sonido de su guitarra y su técnica a la hora de tocarla.

Buscando el recurso a priori fácil, pero también arriesgado, en cuanto a interpretar un repertorio de temas muy populares para una gran mayoría, George Benson ha conseguido "refrescar" su imagen de gran instrumentista por encima de la de correcto cantante. Además, en este disco, ha conseguido la colaboración de uno de sus mejores grupos de las últimas décadas. Para empezar, su director musical, el teclista David Garfield, un músico de nivel espectacular que sabe ejercer como pocos esta difícil tarea, máxime cuando estás trabajando con un músico de esta categoría. Luego, el pianista de The Crusaders Joe Sample, en mi opinión, uno de los mejores músicos que hemos disfrutado tanto en grupo como en solitario. En la batería, la calidad de Harvey Mason, componente de Forplay y eficaz como nadie a la hora de marcar el ritmo idóneo sin necesidad de grandes alardes de tipo "circense". Por último, destacar al bajista Ben Williams, al que Benson presenta en este disco como un joven músico, con un futuro extraordinario. Para terminar, destaco algunos de mis temas favoritos de este disco: "Fingerlero", una de las composiciones del teclista Ronnie Foster, antiguo colaborador de Benson. "Tequila", el éxito de The Champs, "I Want To Hold Your hans" (Beatles, "Naima" (Coltrane), "My Cherie Amour" (S. Wonder), "Since I Fell For You" (Buddy Johnson) o "Don't Know Why" (Norah Jones) hacen de "Guitar Man" un disco más que apetecible para aquellos que disfrutamos desde hace muchos años con uno de los guitarristas más importantes de la historia del jazz.

fDELUXE / Weather Report / Felix Lehrmann

2011-10-24T21:15:00.002+02:00

Hace meses que dimos la bienvenida a esta nueva firma discográfica alemana, poseedora de un excepcional catálogo de grandes figuras internacionales, así como un fondo de archivo espectacular. En Art Of Groove son especialistas en jazz contemporáneo y funky y estas son algunas de sus novedades más recientes, al margen de otras ya comentadas como los discos de Vince Mendoza, Trilok Gurtu o Pee Wee Ellis.

Con Paul Peterson (hermano de Ricky), alias St. Paul, la vocalista Susannah Melvoin y los músicos Eric Leeds y Jellybean Johnson, fDELUXE abordan su nueva etapa después de haber sido The Family, banda de Minneapolis que acompañaron a Prince hace 25 años, sustituyendo a los legendarios The Time, tras la película y el álbum "Purple Rain". En este disco titulado "Gaslight", buscan nuevas cauces para la música funky, tratando de redefinir una nueva era para este estilo.

Para celebrar el 40º Aniversario del nacimiento de Weather Report, el grupo de jazz-rock más importante de la historia, Art Of Groove ofrece el concierto que el grupo realizó en la localidad alemana de Colonia, en el Rockpalast, año 83. En esa fase de la banda, Joe Zawinul y Wayne Shorter, tras el abandono de Jaco Pastorius y Peter Erskine, iniciaban una nueva etapa al lado de dos músicos, Victor Bailey y Omar Hakim, cuya calidad volvió a reabrir en todo el mundo el éxito de Weather Report . En CD y DVD.

El baterista Felix Lehrmann es uno de los músicos jóvenes (22 años) y con más talento en la escena del jazz contemporáneo alemán. después de años intentando grabar su primer disco, Art Of Groove le ha dado la oportunidad de presentar su su proyecto "Rimjob", mezcla de jazz, rock y funk, siempre con orientado hacia la vanguardia. En su banda se encuentra el guitarrista Torsten Goods, al que descubriéramos hace años interpretando (cantando) temas de Van Morrison. Un álbum que es todo un manual de virtuosismo y técnica por parte de este músico.

Nils Landgren / Ida Sand / Viktoria Tolstoy

2011-10-05T22:36:00.000+02:00

El sello ACT, discográfica que ha sabido proyectar con éxito buena parte del mejor jazz que se hace en el norte de Europa, acaba de presentar tres interesantes novedades que os comento a continuación.

Nils Landgren es un trombonista sueco, también cantante en algunas ocasiones, que ya sabe los que es codearse con los músicos más importantes del jazz mundial. Especialista en jazz y funk, ha participado en más de 500 discos y todos recordamos con admiración su álbum "Creole Love Call"(2005) junto al pianista de The Crusaders, Joe Sample, también colaborador en su nuevo proyecto "The Moon, The Stars And You". El álbum incluye un repertorio variado que va desde "Moonshadow", el gran éxito de Cat Stevens, a temas de corte más clásico como "Moon River" (Henry Mancini) o estándares del jazz como "Stars In Your Eyes", de Herbie Hancock.

La cantante Ida Sand, tras "Meet Me Around Midnight"y "True Love", sus dos primeros discos para el sello ACT, ambos caracterizados por la adaptación al jazz de composiciones "básicas" de la música pop, acaba de grabar "The Gospel Truth", un proyecto bajo las influencias de clásicos de la música espiritual como Mahalia Jackson, Aretha Franklin o Ray Charles. "Ain´t No Sunshine" (Bill Withers), "A Change Is Gonna Come" (Sam Cooke) o "Have A Little Faitf In Me (John Hiatt), son algunos de los temas incluidos.

Por último, Viktoria Tolstoy remarca en "Letters To Herbie" su profunda admiración por Herbie Hancock, repasando su discografía y realizando un interesante monográfico desde el punto de vista de una cantante de jazz. El año 2004, Viktoria tuvo la gran oportunidad y el privilegio de cumplir una de sus metas en la música: compartir escenario con Hancock y Wayne Shorter en el Jazz Baltica Festival. Abarcando diferentes etapas de Herbie, su disco incluye "Trust Me", "Paradise", "Butterfly" o "I Thought It Was", entre otros.

"Otoño" / Vince Mendoza

2011-10-04T11:36:00.002+02:00

Vince Mendoza (Norwalk, Connecticut 1961) es uno de los músicos más prolíficos e interesantes de las dos últimas décadas. Compositor, arreglista, director y productor, este teclista que lidera en la actualidad la prestigiosa Metropole Orkest, ha sido reclamado para colaborar con algunas de las más importantes "estrellas" de la música a nivel mundial (Joni Mitchell, Sting, Melody Gardot, Elvis Costello, Björk, Joe Zawinul, John Scofield, Charlie Haden, Al Di Meola, Randy Brecker, Yellowjackets, etc.). Sus brillantes composiciones, están en los repertorios de importantes músicos y cantantes como Joe Lovano, John Abercrombie, Peter Erskine, Joey Calderazzo o Kurt Elling. Como solista, Vince ha grabado diez discos para diferentes sellos discográficos, incluyendo "Epiphany", con la London Symphony Orchestra y, recientemente, Nights On Earth", junto a la Metropole, la Orquesta que él dirige desde hace seis años. Recientemente, ha recibido su sexto premio Grammy (posee 25 nominaciones a lo largo de su carrera) por su brillante trabajo en el disco titulado "54", de John Scofield junto a la Orquesta Metropole.

Las influencias sobre las que Vince Mendoza ha ido configurando su personalidad, van de Bach a Aretha Franklin, de Henry Mancini a Miles Davis, de Igor Stravinsky a Gil Evans. Al haber contado en sus diferentes proyectos con músicos de muchas partes del mundo, "Nights On Earth, su nuevo disco, puede quedar enmarcado dentro del Global Jazz, es decir, aprovechar el sentimiento y la capacidad de improvisación de todos estos grandes músicos, de procedencias distintas, para acoplarlos en las composiciones de Mendoza en este álbum. Recordando trabajos suyos anteriores como "Instructions", "Jazzpaña" o "The García Lorca Project", abre su disco con "Otoño", de marcada significación flamenca con predominio del cajón y las palmas; el tema está dedicado a su padre, gran admirador del estilo. En "Ao Mar", cuya letra ha sido compuesta por Luciana Souza, también intérprete del mismo, la bossa nova adquiere un protagonismo total y en "Arekere", el sentimiento africano en primer plano. "Gracias" es un canto a la santería de Obatala, uno de los dioses de la regiónYoruba. Todos los temas del álbum, en definitiva, tienen una referencia a un lugar determinado del mundo. Para la realización del proyecto, Vince Mendoza ha contado con músicos de primer nivel y con los que, en el pasado, ha tenido la oportunidad de colaborar. Joe Lovano, John Scofield, John Abercrombie, Romero Lubambo, Alan Pasqua, Kenny Werner, Larry Goldings, Andy Narell, Jim Walker, Stéphane Guillaume, Christian McBride, entre otros y además las cantantes Lorraine Perry y Luciana Souza.

"For True" / Trombone Shorty

2011-09-14T20:37:00.000+02:00

Desde su debut discográfico con "Backatown" (2010), el músico de Nueva Orleans Troy Andrews, artísticamente conocido como Trombone Shorty y su grupo, Orleans Avenue, han realizado la cobertura perfecta a su disco con una gira que les ha mantenido en los escenarios de todo el mundo hasta hace pocas semanas. Su poderoso y vibrante directo ha conectado con audiencias muy diversas y tanto jóvenes como adultas, que han sabido apreciar y valorar un estilo que emerge de las raices mismas de la música de su ciudad de origen, Nueva Orleans, incorporando numerosos elementos y estilos más contemporáneos. El resultado de este "mix" es absolutamente original y en el que se nota la influencia de algunos de los artistas y grupos con los que, en el pasado, ha colaborado Troy (Lenny Kravitz, Dave Mathews o Aerosmith, entre otros). Jazz, funky y rock son los estilos que mejor definen la música de Trombone Shorty y su grupo en su segundo disco, "For True", un trabajo más ambicioso a nivel de todo: sonido, producción y una gran "selección" de artistas estelares que proporcionan su aporte personal en los temas en los que intervienen. Se nota que llevan de gira más de año y medio en el que han realizado más de 200 conciertos por todo el mundo y "arrollando" materialmente a sus incondicionales con la espectacularidad de sus actuaciones en directo.

"For True", su segundo disco, recientemente editado, significa un notable salto de calidad en la trayectoria de la banda. Troy ha escrito los catorce temas que incluye, algunos en colaboración con gente como Lamont Dozier ("Encore"), uno de los grandes compositores y creativos de la Tamla y en el que interviene con un "solo" extraordinario el guitarrista Warren Haynes, componente del grupo del legendario Dickey Betts y Allman Brothers Band . A su mismo nivel, siendo distintos, está el Jeff Beck más rockero en el tema "Do To Me". De su "tierra", hay que destacar la presencia de dos de los Neville Brothers (Cyril y Ivan) en el tema "Nervis". Otras colaboraciones que no pasan inadvertidas ni mucho menos, son Kid Rock en "Mrs New Orleans"y la cantante de soul Ledisi en "Then There Was You". También Lenny Kravitz ha querido estar al lado de su amigo y colaborador Trombone Shorty tocando el bajo en "Roses". Otro de los aspectos a considerar, es la polivalencia de Troy en este disco, tocando trombón, trompeta, órgano, batería, piano, sintetizador, percusión...y haciendo sus primeras incursiones como cantante.

"The Mosaic" / Terri Lyne Carrington

2011-09-07T13:13:00.000+02:00

Terri Lyne Carrington (Massachusetts 1965), aparte de baterista, su faceta más conocida en el mundo del jazz, es también compositora y productora. Sus colaboraciones con algunas de las estrellas del jazz más influyentes de su historia (Herbie Hancock, Wayne Shorter, Dizzy Guillespie, Clarck Terry, Stan Getz y muchos otros), la distinguen como una de las instrumentistas más notables con un instrumento que, por tradición, parece estar reservado a hombres. Con Hancock, tocó tanto en formaciones acústicas como eléctricas desde el 97 al 2007, lo que da una idea de su calidad y prestigio. En el año 83, su mentor, el también baterista Jack DeJohnette, consiguió que se traladase a Nueva York para trabajar con algunos de los músicos que he mencionado previamente y ampliar así sus posibilidades profesionales. Como líder de diferentes bandas, Terri se ha caracterizado por haber sabido ensamblar grupos por los que han pasado músicos y cantantes como Esperanza Spalding, Geri Allen, James Genus, Patrice Rushen, Nona Hendrix, Lori Perry, Everette Harp, Greg Phillinganes, entre otros. Sus últimas participaciones, hasta la fecha, se remontan a este verano de 2011, tocando en la gira de Wayne Shorter, con John Pattituci y Danilo Pérez y, además, siendo la directora artística del "musical" "Sing The Truth", junto a Dianne Reeves, Lizz Wright y Angelique Kidjó.

La idea de realizar un proyecto íntegro solo con mujeres, es la base de su nuevo disco "The Mosaic", un trabajo impecable en todos sus aspectos y que Terri ha producido con algunas de sus amigas del alma, todas ellas con trayectorias notables. El álbum consta de 14 canciones que ella define como un mosaico en el que encajan todas las piezas a la perfección. También ha comentado que si este disco lo hubiera intentado hace 25 años, habría estado muy limitada por el corto número de mujeres instrumentistas de jazz que tocaban en esos tiempos, algo que ha cambiado ostensiblemente en los últimos años en los que la mujer no se ha limitado solo al ámbito vocal. "The Mosaic" te va a sorprender y "atrapar" en todos sus temas. La cantante Gretchen Parlatto, llamada a ser una de las voces de jazz más importantes de los próximos tiempos, interpreta dos versiones increibles de "I Got Lost In His Arms" (Irving Berlin) y "Michelle" (Lennon & McCartney). Terri también interviene como cantante en diferentes temas de su disco y, especialmente, en esta faceta más desconocida, me gustaría destacar "Magic & Music", dedicado a la cantante de soul-funk Teena Marie, fallecida no hace mucho tiempo. Nona Hendrix, componente del trío Labelle en los 70', es otra de las "estrellas" que Terri ha incorporado en su álbum, componiendo y cantando. Cassandra Wilson, Dianne Reeves, Carmen Lundy, Esperanza Spalding, Patrice Rushen, Geri Allen, Dee Dee Bridgewater o Sheila E., entre otras, son algunas de las invitadas que aportan su calidad y talento en este disco que, de manera especial, recomendamos desde Vivejazz.

"Mano A Mano" / Michel Camilo

2011-08-31T17:51:00.002+02:00

Hablar sobre él y comentar sus discos o conciertos nos produce una satisfacción especial. Algunos de mis mejores programas fueron protagonizados por este músico irrepetible que, disco a disco y concierto a concierto, va engrandeciendo una leyenda que no parece haber encontrado techo. Siempre se supera a si mismo y lo hace, en formatos musicales distintos, consiguiendo en todos ellos una adaptabilidad al alcance de muy pocos. A su sólida formación clásica, Michel Camilo une talento e intuición innatos a la hora de componer música, dominio y técnica sobre el piano capaces de emocionar a cualquier audiencia y un nivel de profesionalidad reservado a unos pocos elegidos. Tras "Spirit Of The Moment" (2007), Michel ha dejado pasar cuatro años para volver con uno de sus "formatos" favoritos, el trío de jazz, en su nuevo trabajo discográfico en estudio titulado "Mano A Mano".

La variación en relación a sus anteriores discos a trio, radica en la utilización de congas y pequeña percusión, en vez de una batería propiamente dicha, una tarea que Michel ha encomendado al "maestro conguero" Giovanni Hidalgo. En "Mano A Mano" se mezclan varias tendencias y orientaciones musicales, propias de los tres músicos que han intervenido en su realización y que reflejan la tradición afro-caribeña y latina de sus paises de origen: Michel Camilo (R. Dominicana), Giovanni Bidalgo (Puerto Rico) y el bajista Charles Flores (Cuba). Siendo el número "tres" el favorito de Michel, incluye otras tantas versiones de dos clásicos del jazz, "The Sidewinder" (Lee Morgan) y "Naima" (John Coltrane), más "Alfonsina y El Mar", la composición de Ariel Ramirez que inmortalizó la cantante Mercedes Sosa. Ochos temas originales rebosantes de vibrante "latin jazz" completan "Mano A Mano", el nuevo disco de estudio de Michel Camilo, antes de emprender su nueva aventura con el guitarrista Tomatito.

"Plain'n'Simple" / Chuck Loeb

2011-08-28T18:15:00.003+02:00

Su capacidad de trabajo, calidad y talento le colocan en lo más alto del jazz contemporáneo a nivel mundial. En los tiempos de Area Reservada, me ayudó en muchas ocasiones con sus intervenciones a conseguir el objetivo de mantener la entrevista en un segundo plano y dar la máxima prioridad a su música en directo, bien de manera individual o en grupo. Chuck Loeb (Nyack 1955) es un un músico extraordinario, dominador de todas las facetas que la música pueda ofrecer y un verdadero "maestro" para muchos instrumentistas jóvenes o ya consagrados que forman parte habitualmente de sus numerosos proyectos, incluyendo ahora también la dirección artística de su propia compañía discográfica independiente, "Tweety Records", en la que ha grabado su nuevo disco "Plain'n'Simple".

Este nuevo proyecto de Chuck, tiene un desarrollo más conceptual que muchos de sus discos anteriores y se acerca bastante en este sentido a "E-Bop", en mi opinión, uno de sus mejores álbumes. Las influencias más directas, proceden de la "mezcla" de sonidos de guitarra y órgano, que en los 60' y 70' promovieran auténticos "gigantes del jazz" como Wes Montgomery junto a Melvin Rhyne, Pat Martino y Don Patterson o George Benson con Jack McDuff. Esa etapa, en la que destacaban grandes trios de guitar/organ jazz, tuvo una importancia decisiva en el desarrollo de Chuck como músico y es la base sobre la que se ha edificado "Plain'n'Simple". una mezcla de soulful swing, groove y algunos sutiles "toques" brasileños. Harvey Mason (bateria), compañero de Chuck en Fourplay y Pat Bianchi (órgano), completan un trío al que se suman otros "virtuosos" en temas concretos como Till Brönner y Nathan Eklund (trompetas), Will Lee (bajo), David Charles y Mauricio Zoratelli (percusión) y Eric Marienthal (saxo).

En cuanto al repertorio se refiere, "Plain'n'Simple" incluye diez temas originales y dos versiones en las que Chuck ha invitado a Carmen Cuesta, cantando "Ë Com Esse Que Vou Eu", un "clásico" brasileño que popularizó Elis Regina y a su hija Lizzy interpretando "Skylark" (Carmichael / Mercer).

"Parting Shot" / Steve Khan

2011-07-13T12:41:00.002+02:00

Escucho a Steve Khan desde los 70' y quiero empezar afirmando que la coherencia ha sido siempre la mejor de sus virtudes. Brillante músico, compositor y escritor de libros, con la guitarra como protagonista de los mismos, Steve pertenece a ese selecto grupo de músicos que hacen lo que quieren, sin tener en cuenta "recomendaciones" de ninguna discográfica. En el pasado, ha colaborado en estudio o directo con grupos como Weather Report, Steely Dan, Blood Sweat & Tears o CBS All Stars y, también, con otros músicos o intérpretes, siempre de primer nivel, como Hubert Laws, Billy Cobhan, Jack DeJohnette, Michael Franks, Billy Joel o James Brown, entre otros. También ha pertenecido a prestigiosas bandas de jazz contemporáneo como Eyewitness (Steve Jordan, Anthony Jackson y Manolo Badrena), Elements (Bill Evans, Gil Goldstein y Clifford Carter) y Caribbean Jazz Project (Dave Samuels y Dave Valentin).

Ahora, Steve Khan ha editado "Parting Shot", todo un tratado de jazz latino sin importarle en absoluto el hecho de que la guitarra eléctrica nunca haya sido un instrumento fundamental en este estilo. El repertorio del disco. está conformado por sus propias composiciones, a las que hay que sumar "Blues Connotation" y "Chronology, ambas de Ornette Coleman y "Bye-Ya" de Thelonious Monk. Con el sonido cálido e inconfundible de su guitarra, esta adquiere un lógico protagonismo pero que, en absoluto, "ahoga" al resto de músicos que intervienen en "Parting Shot", todos ellos extraordinarios y cuyos nombres son de todos conocidos: Anthony Jackson (bajo), Dennis Chambers (batería) y Manolo Badrena, Mark Quiñones y Bobby Allende, en las percusiones. Dando la sensación de un grupo "sólido" y sin fisuras, Steve Khan ha podido desarrollar, con el grupo, su particular sueño de realizar un álbum conceptual e íntegro dedicado al jazz latino, conservando la tradición de este estilo, pero con diseño vanguardista.

"Un Incontro In Jazz" / Gino Paoli

2011-07-10T18:24:00.001+02:00

Considerado como uno de los compositores y cantantes más influyentes y notables de la música italiana de los 60' y 70', Gino Paoli (Monfalcone, 1934) es, por encima de todo, el creador de dos sensacionales canciones que, con el paso de los años, siguen siendo sinónimo de perdurabilidad y nostalgia: "Sapore Di Sale" y, sobre todo, "Senza Fine", tema dedicado a una de las "divas" de la canción italiana, Ornella Vanoni, con quien mantiene desde mediados los sesenta una relación sentimental y profesional. La vida de Gino Paoli, ha estado marcada también por un intento de suicidio el año 63, cuando se disparó directo al corazón, aunque logró salvar su vida. Autor e intérprete muy versátil, su carrera está repleta de sus propios grandes éxitos, a los que hay que sumar otras grabaciones como su disco "Appropiazione Indebita" (96), en el que redefine canciones de John Lenon, Charles Aznavour o James Taylor. En lo más alto de su popularidad, hay que destacar sus discos en estudio y directo, así como las giras realizadas junto a Ornella Vanoni.

Desde que el año 67 el guitarrista Wes Montgomery hiciera una versión de su tema "Senza Fine", el jazz siempre ha estado de alguna manera presenta en la música de Gino Paoli. El año 2007, graba "Milestones, Un Incontro In Jazz" y, ahora, la segunda parte del proyecto realizado junto a los mismos músicos de la primera: Flavio Boltro (trompeta), Danilo Rea (piano), Rosario Bonaccorso (bajo) y Roberto Gatto (bateria). El disco, grabado en directo,"revisa algunos de sus éxitos y añade otros "clásicos" de la música internacional como "Smile" (Charles Chaplin), "Eu Sei Que Vou Te Amar" (Jobim) o el bolero "Contigo En La Distancia" (César Portillo).

"Mi Bossa Nova" / Carmen Cuesta

2011-07-06T14:01:00.001+02:00

Madrileña de nacimiento, Carmen Cuesta es una de las cantantes con más "gusto" a la hora de interpretar bossa nova, el estilo en el que más y mejor se desenvuelve, siempre bajo el irresistible influjo de aquellas "mágicas" grabaciones que realizaron en los 60' el saxofonista Stan Getz y la cantante Astrud Gilberto. A finales de los 50', grupos de estudiantes procedentes de Copacabana e Ipanema, introdujeron este "ritmo nuevo" en las playas de Rio de Janeiro. Covertido en género musical, fueron los compositores Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Joao Gilberto, Dorival Caymmi o Marcos Valle, entre otros, los encargados de poner letra y música a el/la bossa. Carmen, de niña, quedó "marcada" por esta forma de concebir la música, bajo la influencia del samba, pero reduciendo drásticamente sus decibelios. Su primera trayectoria, se remonta a su participación en en los musicales "Godspell" o "El Diluvio Que Viene".

El año 79, en una inolvidable actuación del saxofonista Stan Getz en Madrid, conoce a Chuck Loeb, guitarrista del grupo y establecen una relación sentimental que, con el paso de los años, se ha convertido también en una fructífera relación profesional. Ya en Nueva York y con el inestimable apoyo de Chuck, Carmen empieza a grabar discos en los que siempre han participado algunos de los mejores músicos de jazz contemporáneos: Bill Evans, Bob James, Michael Brecker, John Patitucci, Will Lee y muchos más. El año 2008 y cumpliéndose el cincuentenario del "nacimiento" de la bossa nova, realiza una gira por Estados Unidos para celebrar tan importante acontecimiento. El grupo está formado por Chuck Loeb (guitarra), Eric Marienthal (saxo), Will Lee (bajo), el percusionista brasileño Café y Carmen como cantante. La idea de poder grabar un disco sobre la base de esta experiencia, se convierte en realidad con "Mi Bossa Nova", su quinto disco. El álbum, de carácter temático, está dedicado en gran medida a resaltar su admiración por Antonio Carlos Jobim, al que dedica una composición propia ("Jobim"), sin excluir otros "clásicos" de la música brasileña como "O Barquinho" (Boscoli/Menescal) o ""Manha De Carnaval" (Bonfa/ De Moraes). En el repertorio del disco, figuran canciones que, compuestas por Jobim, han sido la clave para que la bossa nova haya llegado hasta nuestros dias con la misma frescura con la que nació allá por los 50' ("Triste", "Fotografía", "Chega De Saudade" o "Meditaçao").

"What's It All About" / Pat Metheny

2011-06-30T18:47:00.003+02:00

Entiendo que después de casi cuarenta discos editados, con repertorio propio, Pat Metheny no ha buscado en absoluto una justificación comercial para la realización de "What's It All About", su flamante nuevo álbum repleto de versiones de temas muy "evidentes", pero minuciosamente tratados con el talento que caracteriza al guitarrista de Missouri. Diez temas de estilos diversos, todos ellos grandes éxitos, interpretados a guitarra acústica, sin ningún acompañamiento y ofreciendo su particular visión sobre cada uno de ellos y con la "magia" característica que acompaña a uno de los mejores músicos contemporáneos. Sencillamente extraordinario, a la vez de original, primando su particular idea sobre los elementos armónicos y melódicos que poseen estas grandes canciones.

Todo en este disco son sorpresas, excepto los temas en si mismos. Desde "The Sound Of Silence" (Simon & Garfunkel) con cierto sabor oriental y el protagonismo de la célebre guitarra Pikasso de 42 cuerdas, a la energía desplegada con la acústica tradicional en "Pipeline", el hit-single del grupo The Ventures, o la sublime melodía de "And I Love Her (Beatles), tocada con la acústica de cuerdas de nylon. Sorprende, en definitiva, el tratamiento que Pat Metheny da a cada uno de los temas de este disco en el que todo es distinto, pero con su sello característico y me gustaría saber la opinión de compositores como Burt Bucharch, ("Alfie") o A.C. Jobim ("Garota de Ipanema") y Henry Mancini ("Slow Hot Wind", si levantasen la cabeza. acerca de los arreglos realizados por Metheny en estos dos temas que también forman parte de "What's It All About". "Betcha By Golly Wow" (Stylistics), "Cherish" (The Association), "Rainy Days And Mondays" (Roger S. Nichols) y "That's The Way I've Always Heard It Should Be" (Carly Simon), redondean un trabajo de extraordinaria categoría y nivel que solo Pat Metheny puede desarrollar de manera tan brillante.

"Hushabye Mountain" / Stacey Kent

2011-06-30T13:27:00.004+02:00

La considero una de las cantantes de jazz contemporáneo más originales de la última década. Su delicada y elegante manera de cantar, haciéndolo en varios idiomas, la han colocado en lo "más alto" del panorama jazzístico a nivel mundial. Su primer disco, titulado "Close Your Eyes" (1997), le abrió las puertas de un éxito que, tras varios álbumes con repertorio variado y otros de carácter temático dedicados a Richard Rodgers o Fred Astaire, consolidó con "The Boy Next Door" (2003), un disco dedicado a sus compositores favoritos. Kent nació en New Jersey, aunque tras su graduación en New York, se trasladó a vivir a Londres para estudiar música y teatro en el London's Guildhall School. Allí es donde conoce al saxofonista Jim Tomlinson, acompañante en todos sus discos, con quien se casa en el 91.

Curiosamente, donde más ha arraigado su carrera discográfica es en Francia, habiendo obtenido de la Ministra de Cultura, Christine Albanel, la Orden Francesa de las Artes y las Letras en reconocimiento a su música (2009). Es entonces cuando Stacey graba "Raconte Moi"(2010), su penúltimo disco interpretado íntegramente en francés. Ahora, un año más tarde, aparece "Hushabye Mountain", cuyo título viene de una canción de la película "Chitty Chitty Bang Bang" y que interpretó en original el actor Dick Van Dyke. Con su estilo íntimo y casi coloquial y acompañada por un grupo encabezado por su marido, Stacey Kent va desgranando canciones que estaban en los "armarios" del sello Candid, como "It Might As Well Be Spring" (Richard Rodgers), "Polka Dots And Moonbeans", tema popular que en su momento interpretó Frank Sinatra, entre otras versiones y otros temas que deleitarán a sus incondicionales como "Too Darn Hot", "Close Your Eyes" o "Thou Well".

"Live And Intimate" / Tok Tok Tok

2011-06-23T22:57:00.001+02:00

Tokumbo (cantante) y Morten Klein (saxo), la base del grupo alemán Tok Tok Tok, han ido evolucionando desde el soul acústico al jazz y viceversa. Desde su formación en Friburgo (Alemania) en el 98, su éxito en toda Europa no ha sido casual y, apoyados en un muy buen "directo", discos como "About", "From Soul To Soul", "Reach Out...", "Revolution 69" o "I Wish", recopilatorio este último en el que tuve el placer de colaborar seleccionando temas, han sido la clave del éxito esta formación en la última década. En lo que a España se refiere, sus continuas visitas a mi programa "Area Reservada" en las que realizaron muy buenas actuaciones en directo, fueron el punto de encuentro con una importante cantidad de seguidores, recordando especialmente aquel concierto en Universimad, edición 2006.

Una vez consolidada su popularidad y reconocimiento, hace años que empezaron a editarse por primera vez en España, en un gran trabajo de difusión de la música del grupo llevado a cabo por Indigo Records, sus primeros discos que no habían sido distribuidos hasta el momento: "50 Ways To Leave Your Lover", "Love Again", "Ruby Soul" y "It Took So Long". Ahora en 2011, aparece "Live & Intimate", grabación en vivo del año 2002, realizada en el Ballhof Theater (Hannover) y en la que Tok Tok Tok ofrecen su versión más jazzística acompañados por el bajista Frank Fiedler y el teclista Ritchie Staringer. El repertorio de este álbum retrospectivo se basa en los "originales" del grupo como "You Drive Me Crazy", uno de sus hits de la primera época y que interpretan en todos sus conciertos. Como propina, la versión de "I Wish", el éxito de Stevie Wonder. El CD "Live & Intimate" incluye un bonus track de video referido a dicha actuación.

"Time Together" / Michael Franks

2011-06-16T17:17:00.008+02:00

Tras cuarenta años de carrera, Michael Franks sigue grabando buenos discos y manteniendo viva la llama de una forma de entender la música que ha maravillado, durante todo este tiempo, a cantidad de seguidores de todo el mundo. Hemos disfrutado a satisfacción de su peculiar estilo que podríamos definir como "naïf", adoptando la acepción pictórica basada en una medida "ingenuidad". Albumes como "Art Of Tea" "Sleeping Gypsy", "Tiger In The Rain", Passionfruit" o, más recientemente, "Barefoot On The Beach", han proyectado sobre nosotros la "magia" de este compositor y cantante que empezó haciendo música folk para, después, convertirse en uno de los mitos del jazz-pop. Para poder conseguirlo, su música siempre ha mantenido el binomio de una excelente instrumentación, con los mejores músicos de sesión americanos en cada momento, a la que se suma su originalidad a la hora de interpretar. Su marcha de la firma Warner a mediados de los 90', compañía en la que grabó sus mejores discos, no ha sido obstáculo para que su nueva música siga manteniendo las características esenciales de sus álbumes de toda la vida.

El año 2006, Michael editó "Rendevouz In Rio", bajo esa influencia del jazz bossa brasileño que tanto le gusta. Ahora, cinco años despúes, "Time Together" remarca la misma cadencia estilística y, de nuevo, se vuelve a apoyar en grandes instrumentistas que dominan y admiran, este dato es muy importante, la atmósfera musical en la que se mueve este californiano. Chuck Loeb, productor y músico de algunos de sus temas, está enorme en todos los sentidos y, si Franks se ha "reinventado" con éxito en los últimos años, se debe en gran medida a su eficaz trabajo. En "Time Together", aparte de Chuck, rayan a gran nivel otros músicos como Till Brönner, Romero Lubambo, David Spinozza (guitarrista que trabajó tanto con John Lenon, Paul MaCartney y James Taylor), Eric Mariental, Mark Egan, Mike Mainieri, Charles Blezing, Scott Petito y la cantante Veronica Nunn.

Gino Vannelli & The Metropole Orchestra

2011-06-08T21:48:00.000+02:00

Gino Vannelli (Montreal 1952) ha sido uno de los "imprescindibles" en cualquiera de los proyectos que he emprendido tanto en radio como en televisión. Su originalidad a la hora de cantar, la calidad de sus composiciones y el haberse sabido rodear de grandes músicos, incluidos sus dos hermanos Joe y Ross, avalan una trayectoria de cuarenta años tan brillante como singular. Tras sus primeras experiencias en Canadá, pone rumbo a Nueva York para intentar conectar con alguna discográfica que estuviera dispuesta a escucharle, cuando menos. No lo consigue y se traslada a Los Angeles, donde acontece el episodio anecdótico que marcó toda su carrera discográfica. Acude a las oficinas de AM y, a la entrada, el guarda de seguridad le impide el paso y le solicita identificación. Gino sale corriendo y, detrás, el agente. Cuando éste le da alcance, aparece por los jardines de la discográfica Herb Alpert (director artístico de AM), se hace cargo de la situación desesperada del artista y le concede una audición en acústico en la que Vannelli interpreta "Crazy Life", "Mama Coco", "Powerful People" y "Lady". El resto de la historia fueron seis extraordinarios álbumes en esta firma.

La primera colaboración entre Gino Vannelli y la Metropole Orchestra aconteció el año 2000 en Rossendaal (Holanda). Dos años más tarde, vuelven a coincidir en un gran concierto dentro de la programación del North Sea Jazz Festival, recogido en este CD que ahora ve la luz por primera vez. La Metropole, formación holandesa fundada el año 45 y caracterizada por ser un híbrido entra una big band de jazz y una orquesta sinfónica, dirigida desde el 2006 por Vince Mendoza, ha grabado o actuado junto a algunos de los artistas más importantes de la música contemporánea y de cualquier estilo (Ella Fitzgerald, Joe Cocker, Elvis Costello, Sarah Vaughan o Dizzy Gillespie, entre otros muchos). Por referirnos a su actividad más reciente, constatar el gran éxito de su disco "54" grabado en colaboración con el guitarrista John Scofield. Recientemente, en Junio de 2011, Gino Vannelli y la Metropole han vuelto a coincidir en La Haya en otro gran concierto.

Refiriéndonos a aquel concierto, de hace casi diez años, reflejado en este disco, Gino tuvo ante sí la oportunidad de conseguir la base instrumental ideal para su manera de interpretar, simbiosis de jazz contemporáneo y sonidos big band. Algunos de sus temas más populares como "Black Cars", "People Gotta Move", "I Just Wanna Stop" O "Brother To Brother", cambian de manera radical en cuanto a sus estructura, para ser "envueltos" en unos arreglos totalmente distintos a como los habías escuchado en sus versiones originales y en los que tiene mucho que ver el pianista Otmaro Ruiz, invitado por Vannelli y la Metropole para la ocasión. La calidad de la grabación, sus protagonistas, el repertorio y la "frescura" del directo, garantizan la satisfacción al cien por cien de todos aquellos "incondicionales, entre los que me encuentro, de Gino Vannelli.

"Republica Cafe Cool Jazzy" / Compiled By Vivejazz

2011-05-26T17:11:00.017+02:00

"Republica Cafe Cool Jazzy" es la primera colaboración de Vivejazz con República Cafe, empresa dedicada a fomentar un nuevo concepto de ocio en el que se mezclan música, gastronomía y relax. Han pasado veinte años desde la edición del primer disco de "Area Reservada", basado íntegramente en el sello Go Jazz de mi gran amigo Ben Sidran. Posteriormente, aparecieron otros tres álbumes que, al igual que el primero, tuvieron una gran acogida por parte de la audiencia de Area Reservada. Ahora y una vez consolidado el proyecto Vivejazz, es el momento de poder ofrecerte y presentarte nuestro primer disco de esta nueva etapa. Es así como nace "Republica Cafe Cool Jazzy", compilado por Vivejazz.

El año 2006, el cantante y compositor Mario Biondi debutó con “Handful Of Soul”, un gran disco repleto de sensaciones soul-jazz y al que pertenece “This Is What You Are”, su gran éxito. Con influencias de Isaac Hayes, Lou Rawls o Barry White, este cantante y compositor nacido en Catania (1971) se ha convertido en un verdadero referente del mejor jazz-fusion a nivel mundial.

“Tell Me What To Do”, es una canción impregnada del estilo acid jazz característico de esta formación multirracial inglesa encabezada por Jean Paul “Bluey” Maunick, el músico, compositor y productor que ha dirigido el grupo desde el año 79 hasta hoy. El ha comentado que el sonido de su nuevo disco “Transatlantic RPM”, al que pertenece este tema, es el punto de conexión entre la música de Incognito y su colección de discos.

Candid Records, la primera discográfica de Jamie Cullum, editó en 2010 “Devil My Care”, un álbum que incluye las grabaciones anteriores a “Twentysomething”, su primer gran éxito a nivel mundial. Músico de jazz y cantante de pop, Jamie aporta, en el tema que da título al disco, su frescura y talento característicos de su estilo.

En 1989, la saxofonista holandesa Candy Dulfer protagonizaba uno de los escasos temas instrumentales que llegó al número uno de las principales listas de éxito de todo el mundo. “Lily Was Here”, grabado junto al guitarrista Dave Stewart, formó parte de la BSO de la película alemana “The Cashere”. En el pasado, Candy ha colaborado con algunos de los “grandes” como Prince, Van Morrison o Maceo Parker y a su último disco, titulado “Funked Up & Chilled Out” (2010), pertenece “Smoogroove”.

“You Da’ Man” es una mezcla de jazz, funk y rap. El saxofonista Lou Marini (Blues Brothers Band, Aerosmith, Blood, Sweat & Tears, Steely Dan, James Taylor, Frank Zappa, etc.) y el teclista Misha Segal editaron en 2010 el álbum “The Blue Lou & Misha Project”. Jazz contemporáneo de primer nivel, funky del bueno y grandes dosis de humor son las principales características del proyecto.

Bajo la influencia de flautistas como Herbie Mann o Hubert Laws, el músico canadiense Alexander Zonjic ha sabido desdoblarse del jazz a la música clásica y viceversa. En su vertiente más jazzística, casi siempre envuelta en textura soul, se ha rodeado de muy buenos musicos (Bob James, Earl Klugh, Kirk Whalum, etc.). El cantante KEM, la nueva gran estrella del sello Motown, interpreta “Seldom Blue” (2004), una de las “joyas” que recuperamos en este recopilatorio.

Al guitarrista Chuck Loeb empezamos a conocerle como músico componente del grupo del saxofonista Stan Getz. Su gran talento en todos los campos de la música (músico, compositor, productor), le ha convertido en una de las figuras de referencia dentro del jazz contemporáneo. Chuck graba sus propios discos y participa, al mismo tiempo, de proyectos tan sólidos como el grupo Metro o Reunion. “The Western Sky” forma parte de su disco “Presence” (2007).

“The Look Of Love” (67) es uno de los hit singles más populares del compositor Burt Bucharach. Interpretado en original por la cantante Dusty Springfield, se incluyó en la BSO de la película “Casino Royale”. Ese año, ninguno de los componentes del grupo alemán Tok Tok Tok (Tokumbo Akimro y Morten Klein) habían nacido. Los dos han sabido recuperar con muchos temas “clásicos” como este para incluirlos en su variado repertorio.

La cantante austriaca Simone Kopmajer es uno de los nuevos valores del jazz contemporáneo europeo. Su prodigiosa y voz, rica en matices y frescura, le facilita la interpretación en varios estilos (jazz, blues, soul y folk). De Prince a Motown, de Gershwin a Rodgers & Hart, Simone sabe adaptarse a compositores como el de Minneapolis interpretando “Kiss” en su disco “Didnt’ You Say” (2010).

“Azul” es un tema instrumental del baterista alemán Wolfgang Haffner, incluido en su disco “Round Silence” (2010), un álbum que se caracteriza por la aplicación de la electrónica al jazz. Su brillante trayectoria comienza al formar parte del prestigioso grupo Passport y ahora es uno de los componentes fijos del grupo Metro. Ha trabajado con Michael Franks, Randy & Michael Brecker, Joe Sample, Roy Hargrove, Bill Evans, Cassandra Wilson, Till Brönner, Chuck Loeb y una lista interminable de grandes músicos de jazz.

Jessica Pilnäs ha debutado en 2011 con su disco “Bitter And Sweet”. Procede del pop-rock sueco y, tras licenciarse en Medicina en Estocolmo, su ciudad de origen, ha decidido dar a su música un sentido más jazzy a través de versiones de grandes éxitos de la música pop como “There Must Be An Angel”, original de Eurythmics (1985).

Al teclista californiano George Duke siempre le han gustado las cadencias y ritmos brasileños, como en el tema “A Melody” , de su disco “Dejá Vù” (2010). Este gran músico, que llegó a formar parte del grupo de Frank Zappa, producir a Miles Davis o formar dúo con el bajista Stanley Clarke, es uno de los intérpretes más notables de la fusión del jazz con estilos como el soul, funky o bossa nova, aparte de uno de los productores más reconocidos a nivel mundial.

La cantante de Ohio Gloria Jones, novia de Marc Bolan, interpretó el original de “Tainted Love” (1964). Luego Soft Cell y Marilyn Manson hicieron otras dos versiones de éxito. Juliet Kelly incluye este hit single en su álbum “Licorize Kiss” (2009), marcado por la influencia del jazz, soul y groove.

De Kyle Eastwood (41 años) se hablará mucho y bien en los próximos años. En el pasado, ha contribuido a crear música para las películas de su padre, el actor y director Clint Eastwood (“Mystic River” o “Million Dollar Baby”). Su disco “Metropolitain” (2009) conserva el sentido conceptual de sus anteriores trabajos en los que conviven el new jazz junto al groove o la electrónica. “Bold Changes” es una de las “piezas” más distinguidas de este disco y cuenta con la intervención del trompetista Till Brönner.

"Celebration" / Sergio Mendes

2011-05-17T22:46:00.008+02:00

Sergio Mendes es una de las personalidades más destacadas de la música de Brasil en los últimos cincuenta años. Comenzó estudiando en conservatorio para ser un pianista de música clásica, pero el jazz le atrapó en sus redes vía Antonio Carlos Jobim, con quien colaboró en pleno apogeo de la bossa nova. Sus primeras influencias jazzísticas fueron Bud Powell y Horace Silver. En 1961 graba su primer disco "Dance Moderno" al lado de músicos procedentes de Rio de Janeiro y, a continuación, forma el Bossa Rio Sextet, grupo con el que se traslada a New York para realizar conciertos y grabar junto a Cannonball Adderley, Herbie Mann y llegando a tocar en el Carnegie Hall. A partir de este momento, su popularidad en Estados Unidos se comparte en todo el mundo bajo la denominación de Sergio Mendes y su Brasil 65, grabando dos discos en la firma Atlantic. Un año más tarde aparece "Herb Alpert Presents Sergio Mendes and Brasil 66", incorporando a Lani Hall, la mujer de Herb Alpert e incluyendo la canción compuesta por Jorge Ben "Mais Que Nada". Este tema se convierte un un gran éxito mundial y, a posteriori, el más importante de su discografía.

El doble CD "Celebration, A Musical Journey" está formado por buena parte de la historia musical y los éxitos que ha acompañado a lo largo de muchos años al pianista, compositor y productor brasileña. Lo mismo que Jobim, su maestro, supo exportar a Estados Unidos el sentido de los ritmos y cadencias brasileñas para, con la influencia del jazz norteamericano, conseguir una fusión perfecta en la que siempre ha primado la frescura de su música y sus sensacionales arreglos. El año 2006, tras diez años sin grabaciones, Sergio volvió con "Timeless", producido por Will. i. am, de Black de Black Eyed Peas, buscando conectar con audiencias más jóvenes a través de colaboraciones de artistas como John Legend, Erykah Badú, Justin Tiberlake o Stevie Wonder. De esta última grabación de Sergio Mendes en estudio, se incluyen varios temas en el recopilatorio, incluido el mítico "Mais Que Nada", el original del 66 y la versión de 2006, junto a Black Eyed Peas. Temas como "Going Out Of My Head", "The Fool On The Hill, "The Look Of Love", "Waters Of March", "Scarborough Fair" y otros muchos que, seguro, te harán disfrutar de la mejor música de este gran "maestro, que ha sido y es Sergio Mendes.

"An Evening With Dave Grusin" / Dave Grusin

2011-05-10T11:30:00.001+02:00

Dave Grusin (n. 26 de Junio del 34) es una auténtica leyenda viva de la música norteamericana. Con una capacidad de trabajo sin límites, ha hecho de todo en la música. Su primer perfil, es el de un pianista y compositor de gran talento y creatividad, así como un extraordinario arreglista y productor. Pero además, fue el creador de la firma GRP, junto a Larry Rosen un sello discográfico clave en la historia del jazz contemporáneo de los últimos tiempos, apostando claramente por una apertura del estilo. En GRP, fueron pioneros en la grabación digital y en la edición de música mediante CD's. Grusin ha escrito numerosas partituras para bandas sonoras de películas y series de televisión, aparte de poseer una extensa discografía. De su música para películas, destaca la que compuso para "El Graduado", incluyendo Mrs. Robinson, uno de los grandes éxitos de Simon & Garfunkel. Con 12 Grammys en su haber, Dave ha dedicado todo su esfuerzo en la última década en componer música, entre clásica y jazz, editando discos de un nivel de calidad altísimo como "Two Worlds" y "Amparo".

"An Evening Withe Dave Grusin", su nuevo disco, es una grabación en directo en la que él dirige a la Henry Mancini Institute Orchestra e interpreta al piano temas procedentes de "musicales" y cine. Para ello y, al margen de la orquesta, ha contado con diferentes invitados que dan su particular "toque" de distinción al concierto. La cantante Patti Austin interpreta "Makin' Whoopee", Monica Mancini interpreta "Moon River" y Jon Secada hace lo propio con "Maria" de West Side Story. Temas cantados en medio de otros instrumentales, destacando la "contundente" versión de "Peter Gun", de Henry Mancini y otros temas de grandes compositores como L. Bernstein, Gershwin, Mancini y el propio Grusin.

"Tutu Revisited" / Marcus Miller/ 2CD + 1DVD

2011-05-09T18:16:00.002+02:00

"Tutu" (86) ha sido uno de los álbumes de mayor éxito firmado por Miles Davis para la Warner. Lo curioso, en cuanto a los prolegómenos del álbum se refiere, es que iba a ser una colaboración del gran trompetista y mito del jazz con Prince, pero Miles abandonó la idea y llamó al bajista y productor Marcus Miller para que éste fuese su compañero de proyecto, el músico que compusiera y arreglase la mayor parte del repertorio y quien coprodujera el trabajo junto a Tommy Lipuma. Su título es un tributo a la figura del arzobispo Desmond Tutu y el álbum está orientado hacia la fusión del jazz con otros estilos predominantes a mediados de los 80' (r&b y funk, principalmente), utilizando sintetizadores, secuenciadores y batería eléctrica. Veintitrés años después de su primera versión, Marcus decidió revisar el que ha sido uno de sus proyectos más valorados, para rescatar su esencia y plasmarla en un contexto actual. La grabación se realizó en el Auditorio de Lyon, el 22 de Diciembre de 2009.

Para su consecución, Miller llamó al trompetista Christian Scott, un músico de Nueva Orleans que, con cuatro discos en el mercado, representa el futuro del jazz sobre las sólidas estructuras que en el pasado han dejado músicos como Miles Davis. Siguiendo con el apartado de colaboradores, destacar la presencia de Ronald Brunner Jr., el explosivo baterista que hemos escuchado en el pasado más reciente acompañando a músicos como Stanley Clarke o George Duke. En los teclados y procedente del grupo de Meshell Ndegeocello, Federico González Peña, al saxo Alex Han, descubierto por el propio Marcus en el Berklee College y como bajista y clarinetista el propio Marcus. Con todo lujo de detalles y, al margen de los dos CD's de audio, incluye en video aquel concierto de más de dos horas, así como un documental dedicado a Miles Davis.

"Steve Lukather & Edgar Winter Live" / DVD

2011-05-04T18:53:00.001+02:00

La primera edición del North Sea Jazz Festival se celebró en la Haya el año 76, teniendo como invitados a Count Basie, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan y Stan Getz. Desde ese año, es una de las citas jazzísticas imprescindibles a nivel europeo, cambiando su ubicación en 2006 a Rotterdam y reuniendo en cada edición a unos 70.000 espectadores, como media. El DVD que os comento, se grabó el año 2000 y se corresponde con una de las actuaciones más celebradas del Festival. En el escenario, dos grandes músicos capaces de abarcar diferentes estilos musicales y cuya trayectoria ha sido lo suficientemente importante como para ofrecer un gran espectáculo audiovisual: Steve Lukather y Edgar Winter.

A Steve, todos lo relacionamos con el grupo californiano Toto, del que fue miembro fundador. De él y su guitarra, salieron algunos de los temas más importantes de un grupo que alcanzó sus cotas de popularidad más importantes a finales de los 70 y primeros 80. Influido por Jimmy Page y Eric Clapton, Steve desarrolló su propio estilo marcado por el rock, en primer plano y el jazz, en segundo.

Por su parte, Edgar Winter (teclista, saxofonista y cantante) es el hermano pequeño del "gran" guitarrista Johnny Winter, al que acompañó en el Festival de Woodstock. Blues, rock y jazz han sido los estilos que han marcado su música. El año 72, con su banda The Edgar Winter Group, consiguió que su tema "Frankenstein", que incluye este DVD, fuera un gran éxito y pionero del sintetizador como instrumento protagonista. Entre los temas más destacables de esta gran actuación en el North Sea jazz Festival, se incluyen "Song For Jeff", tema compuesto por Steve y su particular homenaje al malogrado Jeff Porcaro, batería de Toto. También un "Rock Medley" con algunos "clásicos" del estilo como "Johnny B. Good", "Whole Lotta Shakin Going On" y "Long Tall Sally". Otra de las interpretaciones de Steve y Edgar en este DVD es "Tobacco Road". Indigo Records (Tfno.: 91 466 70 19) distribuye en España este DVD.

Signature Edition / La esencia del sello ACT / Rigmor Gustafsson / Viktoria Tolstoy

2011-04-26T17:52:00.015+02:00

Hace algunos meses, dábamos la bienvenida a una colección de interesantes recopilatorios (CD's dobles) que la firma ACT, uno de los mejores sellos a nivel europeo, puso en el mercado para gloria de sus mejores artistas y músicos. Wolfgang Haffner, Lars Danielsson, Nguyên Lé y Ulf Wakenius, fueron los músicos que editaron sus recopilatorios en la primera etapa de ediciones de esta colección. Han pasado los meses y esta serie sigue adelante con otras dos referencias protagonizadas por dos grandes cantantes.

El quinto volumen de Signature Edition está dedicado a Rigmor Gustafsson, especialmente conocida por su disco de 2004, titulado "Close To You", homenaje tanto a Dionne Warwick como a Burt Bacharach. Esta sensacional intérprete sueca, empezó cantando en pequeñas formaciones y big bands de su pais. El año 93, se trasladó a New York donde actúa en algunos de los clubs de jazz más característicos de la ciudad al lado de músicos como el pianista Ted Rosenthal, el bajista Avishai Cohen o el trompetista Randy Brecker. Más tarde, forma su propio quinteto para retornar a Estocolmo y continuar con su brillante carrera. En 2002, firma por el sello ACT, editando "On My Way To You", con música de Michel Legrand y el ya comentado "Close To You". Es una de esas voces con la "magia" suficiente y sobrada como para causar sensación.

Viktoria Tolstoy, tataranieta del escritor ruso Leon Tolstoy, es otra de las cantantes suecas cuyo recopilatorio ofrece una visión retrospectiva de lo hecho hasta la fecha en el sello ACT. La naturalidad y claridad de voz, su dinamismo y originalidad interpretativa, son algunas de las principales características de Viktoria. El año 97, grabó en el sello Blue Note, ahí es nada, su álbum "White Russian", producido por Esbjörn Svensson. Su disco de 2006, "Pictures Of Me", repasa temas de repertorios pertenecientes a algunos de sus ídolos como Stevie Wonder, Prince, Van Morrison, Peter Gabriel, Seal o Alan Parsons.

"Fly Away" / The Songs Of David Foster

2011-04-19T18:51:00.006+02:00

Conocido como "The Hit Man", el teclista David Foster, (Victoria-Canadá 1949), es una de esas personalidades imprescindibles a la hora de explicar la música americana en general y costa oeste en particular de las últimas cuatro décadas. Su capacidad para hacer éxitos le convirtió en uno de los productores más requeridos por los grandes artistas que han reclamado sus canciones continuamente, consiguiendo quince premios Grammy a la largo de su trayectoria y hasta la fecha. Como teclista, Foster empezó acompañando a artistas como Neil Sedaka, Lynard Skynard, George Harrison, Dolly Parton, Paul Anka, Sonny and Cher, Diana Ross o Rod Stewart. A finales de los 70, inicia su etapa como productor y de su factoría, empiezan a salir temas como "After The Love Is Gone" ( Earth, Wind & Fire) o "Got To Be Real" (Cheryl Lynn), produciendo también álbumes para Hall & Oates, Alice Cooper o Deniece Williams. A finales de los 70 y junto al guitarrista Jay Graydon, formaron Airplay, un proyecto para un solo disco pero que, hoy en día, sigue siendo clave en la historia de la música West Coast. Junto a músicos procedentes del grupo Toto, los temas de este álbum, así como sus extraordinarios arreglos, sirvieron de patrón a seguir por numerosos artistas. Sus últimos trabajos junto a Michael Bublé y Seal le han seguido manteniendo en la primera línea de éxito.

"Fly Away" es un disco para disfrutar de las canciones de David Foster reinterpretadas de nuevo, incorporando a grandes músicos de todos conocidos (Nathan East, John Robinson, Brandon Fields, Michael Landau, Jay Graydon, Neil Stubenhaus, Abrahan Laboriel y, por supuesto, el propio David Foster), cantantes que fueron clave en la música americana de los 70' y 80' como Bill Labounty, Bill Champlin, Arnold McCuller o Robbie Dupreé y temas que muchos recordareis como "In The Stone" (Earth, Wind And Fire", "Nothin' You Can Do About It" (Airplay), "Jo Jo" (Boz Scaggs) o "Heart To Heart" (Kenny Loggins). La compañía española "Contante y Sonante" (www.contanteysonante.com) distribuye este disco que hará las delicias de los seguidores de mi primer programa Selección 15.

"Tenoration" / Pee Wee Ellis

2011-04-06T13:19:00.000+02:00

A sus 69 años, el saxofonista Pee Wee Ellis sigue siendo uno de los valores más firmes del soul-jazz instrumental. Como músico que domina todas sus vertientes, James Brown le contrató en el 65 para su banda como miembro de la misma y, a la vez, para ejercer como director musical. Su presencia en el grupo del "goodfather of soul" fue decisiva hasta el punto de estar considerado como el verdadero "arquitecto" que dio sentido a la música de James Brown con sus incomparables arreglos, concepciones rítmicas nuevas y componiendo temas como "Cold Sweat", en los que redefinió el lenguaje soul para convertirlo en el emergente funk. Junto a Maceo Parker y Fred Wesley, también acompañantes de James Brown, Pee Wee formó parte de los JB's, grupo que ha grabado varios discos en el pasado y cuyo retorno se hace esperar.

Todos conocemos a Pee Wee por su etapa junto a James Brown, pero no muchos sepan que el prestigioso sello CTI le contrató para ser el director musical de la firma, trabajando junto a cantantes y músicos como Esther Phillips, Hank Crawford o George Benson, entre otros. En el 76, edita su primer disco "Home In The Country", no volviendo a grabar hasta el 92. De sus álbumes, el más importante a nivel de popularidad y ventas fue "What You Like" (97), en el que llegó a colaborar Van Morrison, uno de los artistas que más se ha beneficiado de la calidad y el talento de Pee Wee, desde que el irlandés le contratase en el 79 para ser también su director musical.

Tras un largo periodo de seis años sin disco en el mercado, Pee Wee Ellis acaba de editar "Tenoration", un doble CD que sirve para la "puesta de largo" de la firma Art Of Groove. "Del jazz al funk y vuelta", es el subtítulo de este disco en el que el saxofonista se mueve como pez en el agua en los dos estilos que han marcado su carrera musical. Temas a destacar: "You've Changed" (Bill Carey), "Sticks", en sus dos versiones (Julian Adderley), "At Last" (Mark Gordon) y "Freedom Jazz Dance" (Eddie Harris). Entre los músicos que han colaborado en "Tenoration", me gustaría destacar al guitarrista Tony Remy, un músico inglés de primer nivel, con discografía propia y que se ha convertido en un habitual de las grabaciones y conciertos de Pee Wee Ellis.

"Forever" / Corea,Clarke & White

2011-03-22T22:25:00.006+01:00

A finales del 71, el pianista Chick Corea crea Return To Forever, una banda de jazz-rock fundamental en el desarrollo que el jazz-fusión empezaba a tener en aquellos años. Junto a la Mahavishnu Orchestra y Weather Report, este grupo propició un cambio radical en la estructura clásica que el jazz había tenido hasta ese momento. En la primera formación, liderada por Corea, estaban el bajista Stanley Clarke, el saxofonista Joe Farrell (ya fallecido) y el percusionista Airto Moreira junto a su mujer Flora Purim (voces). En su primer disco del 72, denominado como el grupo, se incluye "La Fiesta", uno de los temas más populares del repertorio de Corea. Luego y ese mismo año, editan "Light As A Feather", con marcado acento brasileño. Tras esta primera etapa, Return To Forever ha ido cambiando su estructura en numerosas ocasiones, pasando por el grupo músicos que fueron dejando su impronta en su concepción musical: Gerry Brown, Lenny White, Bill Connors y Al Dimeola, entre otros. Tras varias idas y venidas, la banda volvió a reunirse en 2011 para realizar una gira mundial denominada "Hymn Of The Seven Galaxy" y en la que Corea, Clarke y White, están acompañados por el violinista Jean Luc Ponty y el guitarrista, componente también de Yellowjackets, Frank Gambale.

"Forever" es nueva demostración del talento que atesoran estos tres músicos más sus "invitados". En el primer disco, es un doble CD, Corea, Clarke y Lenny White entremezclan temas propios con versiones de standards del jazz. En esta primera parte, aparecen temas como "On Green Dolphin Street" (Bronislaw Kaper), "Waltz For Debbie" (Bill Evans) o "Hackensak"(T. Monk), pero también "No Mistery", de Stanley Clarke, tema por el que este año ha recibido un Grammy, ""Señor Mousse", de Corea o "La Canción de Sofia, de Stanley Clarke. Este primer disco está grabado en directo en Estados Unidos y Japón y su característica afín a todos sus temas es que toda su música está interpretada en acústico.

El segundo disco representa la vertiente eléctrica, la más reconocible y que hiciera popular a Return To Forever en todo el mundo. Está grabado en estudio y en el intervienen también como invitados la solista Chaka Khan, haciendo de Flora Purim, el violinista Jean Luc Ponty y el guitarrista, ex-componente de Return To Forever, Bill Connors. En esta segunda parte, prevalecen las composiciones de los componentes del grupo sobre los standards del jazz, limitados a la interpretación de "I Loves You Porgy" (Gershwin) y "Crescent" (Coltrane). "Forever", en definitiva, ofrece todas las vertientes, desde un sonido actual, que este gran grupo ha venido ofreciendo con el paso de cuarenta años en el primer nivel de la música más creativa, aniversario que se celebra este 2011.

"Back 2 The Source" / Eva Cortés

2011-03-07T10:50:00.003+01:00

Siempre que se recurre a los "clásicos" del jazz para la grabación de un disco, no siempre se consigue el resultado apetecido. En el caso de Eva Cortés, una de las voces más prodigiosas e impactantes del panorama jazzístico español, su nuevo disco titulado "Back 2 The Source", interpretado en español, inglés y francés, sorprende por esa trivalencia idiomática, sus impecables arreglos, respetando "el original", la sólida base instrumental conseguida a base de muy buenos músicos y, por supuesto, por ese talento innato que posee Eva a la hora de interpretarlos. En su música, siempre hay una relación directa del jazz, "fundido" con elementos tanto de la música tradicional latinoamericana como andaluza y es que, habiendo nacido en Honduras, creció en Sevilla y, en la actualidad, reside entre Paris y Madrid.

Esta orientación musical en la que Eva mezcla todas esas influencias, queda reflejada en su primer disco "Sola Contigo" (2006), en el que predominan ritmos e influencias latinoamericanas, mezcladas con jazz y ese "toque" andaluz, marca de la casa, que aporta gracia y frescura a su música. Tras "Como Agua Entre Mis Dedos" (2008), aparece "El Mar De Mi Vida" (2010), un álbum en el que se remarca esa influencia multicultural con arriesgadas propuestas como la versión del clásico "C'est Si Bon", interpretada a dúo con el cantaor Miguel Poveda.

En "Back 2 The Source" y es otra de las constantes de la discografía de Eva Cortés, vas a poder apreciar la calidad de sus músicos, todos ellos de primer nivel y, algunos, llevan tocando con ella desde sus primeras grabaciones. Pepe Rivero (piano), Toño Miguel (contrabajo), Alaín Pérez (bajo eléctrico), Marc Miralta y Georvis Pico (batería) y Javier Limón (guitarra), forman ese grupo que ha conseguido para Eva una instrumentación muy brillante y de gran calidad, ideal para su manera y forma de interpretar. A estos músicos, hay que sumar otros dos que son de los habituales aquí en Vivejazz: los guitarristas Romero Lubambo y Mark Whitfield.

En cuanto al repertorio elegido, temas de los compositores más populares del "American Songbook" como Henry Mancini ("The Days Of Wine And Roses"), Richard Rodgers ("Bewitched..."), Duke Ellington ("Mood Indigo"), Edward Heyman ("Body And Soul"), Cole Porter (I've Got You Under My Skin") o Bart Howard ("Fly Me To The Moon"), entre otros.

"21 Spices" / Trilok Gurtu

2011-03-04T13:06:00.003+01:00

Considerado como uno de los mejores percusionistas del mundo, Trilok Gurtu es un músico y compositor cuyo estilo se caracteriza por la mezcla de jazz contemporáneo y lo que se conoce como "world music", siempre bajo el influjo de la música y los ritmos tradicionales de su India natal. Componente del grupo de Don Cherry en el 78, ha trabajado con los guitarristas Philipe Catherine, John McLaughlin, Ralph Towner, Pat Metheny, David Gilmore (Pink Floyd) o Larry Coryell. También ha colaborado estrechamente con los saxofonistas Jan Garbarek o Bill Evans, con el percusionista Nana Vasconcelos, con las pianistas de "clásica" Katia y Marielle Lebeque y con el teclista Joe Zawinul, una de sus influencias más importantes. Trilok Gurtu (Bombay 1951) procede de una familia para la que la música siempre ha sido algo especial. Su abuelo tocaba el sitar y su madre era cantante de lírica.

Trilok, tras el éxito de su disco anterior "Massical" (2009), acaba de editar "21 Spices", un proyecto ambicioso con el que se presenta la nueva discográfica "Art Of Groove" del productor alemán Joachim Becker, cuyo talento se ha dejado notar y mucho por otras "firmas" a las que ha pertenecido o fundado en el pasado, caso de Intuition, ESC Records o BHM. La idea de incorporar bigbands, con un solista protagonizando el disco, ha sido una constante en las producciones de Joachim en los últimos años. Músicos como Hiram Bullock, Joe Zawinul, Maceo Parker o Bill Evans. Ahora, Trilok Gurtu se incorpora a la lista con "21 Spices", un disco en directo con la calidad de sonido "marca de la casa" y que cuenta con la participación de la NDR Bigband a la que se suman tres músicos de calidad contrastada: Roland Cabezas (guitarra), el bajista francés Michel Alibó y el baterista Simon Phillips, músico que ha trabajado tanto en el campo del rock como en el jazz y que, al fallecimiento de Jeff Porcaro, ocupó su lugar en el grupo californiano Toto.

"Yes You Live" / Mario Biondi

2011-03-04T12:54:00.004+01:00

Mario Biondi (Catania 1971) es uno de esos solistas cuya manera de cantar no admite indiferencia. Podrá gustar más o menos, pero es de esos artistas que "engancha" por su forma de interpretar, por su "aguerrido" timbre de voz, a la vez de cálido y por una propuesta de concepto musical en el que dos estilos complementarios como soul y jazz combinan a la perfección. Hace años que empecé a escucharle y quiero decir que, cerca de las influencias de cantantes como Isaac Hayes (yo creo que la más directa), Lou Rawls o Barry White, Biondi es un solista y compositor que aporta a su música originalidad y "emoción" tanto en estudio como en directo. El año 2006, edita "This Is What You Are", un tema destinado al mercado japonés y que llega a Inglaterra de la mano del DJ de la BBC Norman Jay, convirtiéndose en su primer gran éxito fuera de Italia y tarjeta de presentación de su primer disco "Handful Of Soul"(2006), grabado con su grupo High Five Quintet.

En este álbum, Biondi deja bien clara la ambivalencia de su estilo, interpretando temas de jazz como "Rio De Janeiro Blue" o de soul como "I'm Her Daddy", original de Bill Withers. Su natural inclinación hacia la música en directo, le llevó en 2007 a grabar "I Love You More", interpretando los temas de su primer álbum de estudio más la inclusión de "sorpresas" como "Just The Way You Are" (Billy Joel) o "Close To You" (B.Bucharach). La idea de que cada disco de estudio tiene que tener respuesta con otro en directo, se hace patente después de la publicación de "If"(2009), su segundo proyecto de estudio que nos trae hasta "Yes You Live"(2010), en el que Mario Biondi recrea sus temas más recientes y añade otros en compañía del grupo británico Incógnito, reciente su colaboración en dos de los temas del nuevo disco de la banda de Bluey, titulado "Transatlantic RPM". Siempre hay hueco para el jazz, en este caso el tema elegido es "Nature Boy", del que hace una interpretación extraordinaria. Luego, desarrolla buena parte de "If" y concluye su "directo" con los temas interpretados junto a Incognito, destacando "Lowdown", el tema de Boz Scaggs y con el que Mario Biondi disfruta a satisfacción.

"The Gate" / Kurt Elling

2011-02-23T17:51:00.002+01:00

Rupturista y siempre instalado en la vanguardia, el cantante Kurt Elling posee una de las voces más reconocibles del universo jazzístico actual. Heterodoxo cien por cien, no esquiva en absoluto su conocimiento y admiración hacia el jazz tradicional. Nacido en Chicago el año 67, su carrera profesional se inicia cuando el año 92 envía una demo al sello Blue Note, una de esas discográficas que han hecho del jazz su razón de existir, poseedora de uno de los mejores catálogos y que, en esa época, estaba inmersa en un proceso de renovación y actualización. Kurt Elling graba "Close Your Eyes"en el 95 y empieza a forjar su leyenda a través de las excelentes críticas de prensa recibidas por su primer disco, tanto por su talento y originalidad como cantante, así como por la calidad de sus músicos, entre los que destaca el pianista Laurence Hobgood, instrumentista "imprescindible" en todos sus discos y conciertos.

El año 2007, ya en el sello Concord, Elling edita "Nightmoves", su penúltima referencia en estudio y un álbum lleno de sensibilidad y buen gusto interpretativo, intercalando temas tan diversos como el título del disco, original de Michael Franks, o "Undun", todo un clásico de los 60 del grupo canadiense Guess Who. Posteriormente y en directo, "Dedicated To You", con música de Coltrane y Hartman. Estos son los dos discos que preceden a "The Gate", su nuevo proyecto en el que Elling, acompañado por un grupo en el que destacan Bob Mintzer (saxo), John Patitucci (bajo) y su pianista Laurence Hobgood, retorna al repertorio variado y de distintas épocas. En mi opinión, sensaciónal en la interpretación del tema "Steppin Out", uno de los himnos del pop, ideal para ser interpretado en clave de jazz y que fue definitivo en la carrera del Joe Jackson, uno de los ídolos de la "new wave" inglesa. "The Gate" abre con "Matte Kudasai", otro "inolvidable", en este caso procedente del grupo KIng Crimson y del cual Kurt hace una interpretación extraordinaria. "Blue In Greeen" (Miles Davis), "Norwegian Wood" (The Beatles), "Golden Lady" (Stevie Wonder), "Come Running To Me" (Herbie Hancock) o "After The Love Has Gone" (Earth, Wind And Fire), entre otros temas de todos conocidos, vienen a reafirmar su gran talento y capacidad camaleónica a la hora de "hacer suyas" canciones de éxito que Kurt Elling interpreta de manera impecable sin seguir en absoluto la pauta de sus originales.

53ª Edición Premios Grammy / 2011

2011-02-14T10:47:00.013+01:00

Esperanza Spalding, ganadora del premio "Best New Artist", es la gran triunfadora de la Edición 2011 de los Premios Grammy, en cuanto al jazz se refiere. El haberlo conseguido en uno de los apartados del cuadro de honor, al margen de la sección de jazz y en competencia con los artistas más "vendedores" y comerciales de pop, rock o soul, la convierten, por si no lo era ya, en una de las "grandes" artistas a nivel mundial.

Por otro lado, el bajista Stanley Clarke ha logrado el Grammy al "Mejor Album de Jazz Contemporáneo" por su disco "The Stanley Clarke Band", un álbum en el que el prestigioso músico actualiza el sonido de su particular "fusión" de los 70' y 80', acompañado por un grupo de jóvenes músicos en el que destaca la pianista japonesa Hiromi. Al margen de estos dos premiados, esta es la relación completa referida a las secciones de jazz.

Best Contemporary Jazz Album: "The Stanley Clarke Band" (Stanley Clarke).

Best Jazz Vocal Album: "Eleanora Fagan (1915-1959) Dee Dee Bridgwater.

Best Improvised Jazz Solo: "A Change Is Gonna Come" (Herbie Hancock)

Best Jazz Instrumental Album: "Moody 4B" (James Moody).

Best Large Jazz Ensemble Album: "Mingus Big Band Live At Jazz Starland".

Best Latin Jazz Album: "Chucho's Step" (Chucho Valdés & The Afro Cuban Messengers)

"Transatlantic RPM" / Incognito

2011-02-09T19:09:00.000+01:00

Tras catorce álbumes editados y numerosas giras por todo el mundo, Incognito, el grupo que lidera el músico y productor Jean Paul Maunick, conocido como "Bluey", se ha ganado a pulso el calificativo de "clásico" entre las bandas de soul-funky-jazz que más impacto y éxito han tenido en las tres últimas décadas. Con un estilo muy definido en el que las influencias de la música negra de los 70' y 80' han sido su referencia básica, Incognito ha ido evolucionando entre el clasicismo de sus arreglos, marcadamente retro y un sonido actual en el que predominan los ritmos pegadizos con acento funky, baladas soul y algunas dosis de jazz para completar el "cocktail" de estilos.

En el pasado, álbumes como "Tribes, Vibes & Scribes"(92), "Positivity"(93) o "No Time Like The Future" (98), han reafirmado el buen nivel que acredita el grupo de "Bluey", nunca exento de calidad y siempre con la idea de poder poner en práctica en directo lo que hacen en sus discos. Su liderazgo ha sido compatible con entradas y salidas de sus músicos y cantantes de manera contínua, pero siempre manteniendo una misma dinámica de sonido. Solo la vocalista Maysa ha tenido un papel decisivo en el éxito del grupo, conviertiéndose en los últimos discos en una "colaboradora" de lujo, papel que alterna con sus discos en solitario.

En "Transatlantic RPM" no hay ninguna innovación, pero ahí está el secreto de este grupo que, junto a The Brand New Heavies, Jamiroquai, y James Taylor Quartet, han sido la clave del éxito en todo el mundo del British Acid Jazz. Este nuevo disco abre con "Lowdown", el gran éxito de los 70' de Boz Scaggs pero, en contra de lo que puede parecer una declaración de intenciones, es la única versión que se incluye el álbum. Para este tema concreto, Jean Paul ha contado con el italiano Mario Biondi y la solista Chaka Khan, que en su momento perteneció al grupo Rufus, una de las bandas que más gustan a Bluey.

A parte de los dos, según en que temas, también intervienen Leon Ware (amigo de Marvin Gaye y compositor y cantante de "Body Heat", el gran éxito de Quincy Jones), Al McKay (el espectacular guitarrista de Earth, Wind & Fire), Christian Urich del grupo Tortured Soul, Ursula Rucker y el rapero de Los Angeles Luckyiam.

"Larry Carlton Plays The Sound Of Philadelphia" / Larry Carlton

2011-01-26T17:09:00.003+01:00

En la página dedicada a mi primer programa, "Selección 15", tienes dos horas dedicadas al "Philadelphia Sound" y sus grandes éxitos de los 70'. Precisamente, se cumple este año el 40º Aniversario desde que sus dos principales artífices, Kenny Gamble y Leon Huff, fundaran el sello discográfico que ha servido de soporte a los numerosos artistas y grupos que consiguieron éxitos importantes en todo el mundo "arropados" por este movimiento de música soul. Tras una etapa inicial en la que Philadelphia International Records compitió con las otras dos grandes firmas de música negra, Atlantic y Motown, las ideas de sus promotores, compositores, artistas y músicos se fueron agotando a medida que avanzaba la década de los 80' y, hoy en día, las muchas recopilaciones que han ido apareciendo sobre el Philly Sound, nos ayudan a conservar la memoria de una música que marcó a toda una generación de seguidores del soul más comercial.

El guitarrista californiano Larry Carlton, uno de mis músicos favoritos, acaba de rescatar algunos de aquellos éxitos para, con su toque magistral y siempre elegante, incluirlos en su nuevo disco "Larry Carlton Plays The Sound Of Philadelphia". Apoyado por un grupo de excelentes músicos, interpreta algunas de las canciones más distinguidas de aquella época: "Only The Strong Survive" (Billy Paul), "I'll Be Around" (The Spinners), "Drowning In The Sea Of Love" (Joe Simon), "Back Stabbers" (O'Jays") o "If You Don't Know Me By Now" (harold Melvin & The Blue Notes", entre otros. A parte del "nostálgico" repertorio, destacar los músicos que han intervenido en esta grabación: Paul Shaffer (órgano), Tony DeSare (piano), Tommy Byrnes (guitarra rítmica), Mark Douhit (saxo), Christopher Jackson (bajo), Andrea Valentini (batería) y, como sorpresa indiscutible para los temas que requieren voz, la "recuperación" del cantante y compositor Bill Labounty, célebre por canciones como "Livin' It Up", "Look Who's Lonely Now" o "This Night Won't Last Forever".

"David Murray Plays Nat King Cole En Español"

2011-01-26T11:18:00.010+01:00

Nathaniel Adams Cole (Alabama, 1917) inició su carrera artística en la década de los 30', influido por el jazz de la época de artistas como Louis Armstrong o Earl Hines. Tras muchos años de intenso e ingrato trabajo tocando y cantando en bares y pequeños clubs, firma un contrato con Capitol Records y los éxitos no tardaron en llegar. Canciones como "Straighten Up And Fly Right" o "Route 66", fueron la llave de una popularidad que le llevó a tener su propio programa de radio y televisión. Ya en los 50', Nat King Cole decide cambiar la orientación de su música interpretando baladas como "Mona Lisa"(1950), una canción que él consideró irrelevante y con la que consiguió vender tres millones de copias en todo el mundo. Sin olvidarse de sus raices jazzísticas, a finales de los 50' graba "A Mis Amigos", interpretado en español y portugués, abriéndose el camino de un gran éxito en Latinoamérica y España.

David Murray, saxofonista californiano que suele vivir en la localidad de Sines (Portugal), es un músico que ha sabido conseguir un punto medio entre la tradición y modernidad del jazz a lo largo de una trayectoria que abarca su participación en más de cincuenta discos, como lider, formando parte de grupos o colaborador. Para su nuevo disco "David Murray Cuban Plays Nat King Cole En Español", Murray se trasladó a Cuba y Argentina para reinventar, "in situ", las composiciones que cantó King Cole a finales de los 50' y primeros 60'. Con el respaldo instrumental de la Sinfonieta de Sines y alguna colaboración muy especial como la de Daniel Melingo, el Tom Waitts argentino, David Murray recrea a satisfacción temas inolvidables que han marcado a varias generaciones: "Bodeguero", "Quizás, Quizás", "Piel Canela", "A Media Luz", "Cachito", "Tres Palabras", etc..

"Nikki" / Nikki Yanofsky

2011-01-14T10:35:00.008+01:00

Nicole "Nikki" Yanofsky (nacida en Quebec, 1994) es, con diecisiete años, una de las cantantes más jóvenes y prometedoras del panorama del jazz actual. Ya en 2010, interpretó el himno de Canadá en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Invierno, aunque su mayor reto, a nivel discográfico, fue su participación en el hiomenaje a Ella Fitzgerald titulado "We All Love Ella", una producción de Tomy Lipuma para la que Nikki interpretó el tema "Airmail Special", siendo la artista más joven en grabar para el sello Verve. Otro "salto" importante en su carrera, fue la grabación del clásico "Stompin' At The Savoy", junto a Herbie Hancock y Will.I.Am (Black Eyed Peas).

Sus excelentes condiciones como cantante, no han pasado inadvertidas para el productor Phil Ramone y el compositor Jesse Harris (Norah Jones) y ambos han producido el álbum "Nikki", mezcla de temas clásicos del jazz y composiciones de Harris y la propia Yanofsky. Su pasión por Ella Fitzgerald la llevó a interpretar jazz y esa apuesta me parece lo suficientemente valiente para una cantante que perfectamente podría haber apostado por otros estilos más convencionales, como el pop por ejemplo. Con una madurez impropia de su edad, Nikki interpreta en su primer disco, grabado en el sello Decca, composiciones de autores clásicos como Strayhorn ("Take The "A" Train"), Gershwin ("I Got Rhythm") o Harold Arlem ("Over The Rainbow").

"The Rough Guide" / Ella Fitzgerald

2011-01-10T19:42:00.002+01:00

La serie "Rough Guide To Jazz And Blues", que inició sus primeros lanzamientos en 2010, se caracteriza por ofrecer a sus seguidores cuidados discos recopilatorios de algunas de las grandes estrellas del jazz y blues, buscando el atractivo de sus seleccionados repertorios y, por otro lado, utilizar la técnica de remasterización para poder dar nueva vida a grabaciones clásicas. Leadbelly, Muddy Waters, Billie Holiday, Robert Johnson y Ella Fitzgerald, son algunas de sus referencias que ya están disponibles.

Ella Fitzgerald, con su rango de voz de tres octavas, su precisa vocalización y su gran facilidad a la hora de improvisar, está considerada la cantante más influyente de la historia del jazz, junto a Billie Holiday y Sarah Vaugahn. Con tan sólo 16 años, ya triunfaba con sus actuaciones en el Teatro Apolo de Nueva York y supo interpretar como nadie, las canciones melódicas compuestas por Cole Porter, Duke Ellington, Johny Mercer, entre otros. Ella falleció el año 96 por causa de una diabetes, enfermedad que primero la dejó ciega y posteriormente, propició la amputación de sus dos piernas. Parte de ese gran legado musical de "First Lady Of Song", se incluye en este CD en el que puedes disfrutar de canciones que son historia y leyenda de la música de la primera mitad del siglo veinte. Temas magistralmente interpretados y con una excelente calidad de grabación: "I Ain't Got Nothin' But The Blues", "Black Cofee", "Begin The Beguine", "Basin Street Blues", "My Man", "Oh Lady Be Good", "How Long Has This Been Going On?", o "How High The Moon" y muchas más.

La "edición especial" de este disco, que es doble, se completa con un interesantísimo álbum de grandes éxitos de artistas y músicos coetáneos de Ella Fitzgerald, con los que trabajó alguna o varias ocasiónes, caso de Louis Armstrong, Duke Ellington, Ink Spots, The Mills Brothers, Chick Webb o Buddy Rich. Este "segundo" CD, también incluye inolvidables canciones de las que fueron sus "rivales" y divas de la música, como ella. Me refiero a Billie Holiday, Nina Simone, Sarah Vaugahn o Dinah Washington.

Gershwin, Porter, Rodgers, Kern & Berlin / Chloé Van Paris

2011-01-09T17:28:00.005+01:00

Francis Dreyfus, fallecido el año pasado, fué un gran productor y editor discográfico francés que siempre se dejó llevar por sus gustos musicales. Tras haber representado o producido a artistas como Johnny Halliday, Silvie Vartan o Jean Michel Jarre, en el 91 creó la firma Dreyfus Jazz con la que llegó a editar más de cincuenta discos, siendo uno de los sellos de referencia a nivel del jazz europeo. Siguiendo los pasos de su padre, Chloé Van Paris, editora artística de esta firma, ha editado tres recopilatorios dedicados a cinco de los grandes compositores del Great American Songbook: George Gershwin, Cole Porter y, el tercero, compartido por Richard Rodgers, Jerome Kern e Irving Berlin.

La característica principal de estos tres álbumes, reside en la variedad interpretativa, incluyendo las versiones más importantes que se han realizado de temas que han marcado la historia del jazz y que no han dejado de ser interpretadas en los últimos ochenta años. Los tres discos, en formato doble CD, incluyen grabaciones de los artistas y músicos que han hecho del jazz un estilo musical inigualable a lo largo del último siglo y un poco más. Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Chet Baker, Lena Horne, Tommy Dorsey, Charlie Parker, Sarah Vaughan, Fred Astaire, Louis Armstrong, Duke Ellington, Cannonball Adderley, Django Reinhardt, Artie Shaw, Dinah Washington, por citar algunos de los "más grandes" que han interpretado temas de estos cinco compositores básicos para la comprensión de lo que han sido las raíces de la música del siglo pasado.

"Tell It Like It Is" / Thomas Quasthoff

2011-01-06T18:13:00.002+01:00

Considerado uno de los mejores barítonos de su generación, el estilo del cantante alemán Thomas Quasthoff se caracteriza por sus increíbles condiciones vocales y por una manera de interpretar cálida y oscura al mismo tiempo. Con 52 años actualmente, sus problemas físicos derivados de la ingesta de Talidomida por parte de su madre cuando estaba embarazada (medicina que se recetaba como calmante y cuyas secuelas afectaron a miles de personas en toda Europa), no han significado obstáculo alguno, para que Thomas se haya convertido en una de las figuras más importantes de la lírica actual.

Esa flexibilidad vocal, talento natural, le ha llevado a una amplia versatilidad estilística a la hora de cantar en clave jazz, blues o soul. Con marcada influencia de Van Morrison, Randy Newman o Tom Waitts, Quasthoff aporta su particular interpretación de temas que han marcado la historia de estos tres estilos. En su disco "Tell It Like It Is", título del gran éxito de Aaron Neville en los 60, incluye temas inolvidables que él vive con una intensidad realmente extraordinaria: "Ain't No Sunshine" (Bill Withers), "Rainy Night In Georgia" (Tony Joe White), "Have A Little Faith On Me" (John Hiatt), "Georgia On My Mind" (Ray Charles) o "I Can't Stand The Rain", la canción original de Ann Peebles (73) y posteriormente popularizada por Tina Turner en los 80'. En la grabación, intervienen los músicos Frank Chastenier (teclados), Bruno Miller (gitarra), Dieter Ilg (bajo) y mi amigo Wolfgang Haffner (batería).

"The Crossing" / Eumir Deodato

2010-12-08T12:01:00.007+01:00

Siempre ha sido uno de mis músicos favoritos, aunque haya realizado una carrera musical a cuentagotas. El teclista y productor brasileño Eumir Deodato ha vuelto a grabar un disco y lo hace de la mano de la factoría Nicolosi, los hermanos que desde sus estudio de Milán han relanzado artistas como Billy Cobham, Stanley Jordan o el malogrado Billy Preston, aparte de sus propia música bajo la denominación de Novecento. Sus discos, a nivel de producción, rayan la perfección y siempre reflejan influencia de la mejor fusión de los 70' y 80'. Deodato se suma ahora a este catálogo con "The Crossing", un álbum impecable, con invitados muy especiales de los que los Nicolosi saben sacar el mejor partido posible.

Arreglista de Sinatra o Vinicius de Moraes, productor de Kool And The Gang o Björk, Deodato ha sido referencia obligada dentro del sello CTI, acompañado siempre por músicos de extraordinaria calidad como el guitarrista John Tropea o el flautista Hubert Laws. Con su primer disco, "Prelude" (73), ya consiguió un Grammy por su controvertida versión de "Also Sprach Zarathustra", adaptación del clásico de Richard Strauss. Luego, un años más tarde y tras "Deodato 2", grabó su primer álbum en directo junto al percusionista Airto Moraira, consigiendo ser el artista más vendedor en todo el mundo de la prestigiosa firma de Creed Taylor.

En "The Crossing", Deodato ha logrado reunir a algunos de los músicos con los que colaboró en esa primera época americana en el sello CTI. Es el caso del guitarrista John Tropea, del baterista Billy Cobham o del percusionista Airto Moraira. Como complemento a esta "base" instrumental que pone los pelos de punta, hay que sumar también a Al Jarreau, el baterista de la Zawinul Sydicate Paco Sery y, por supuesto, al grupo Novecento, impulsores de este nuevo y más que interesante proyecto.

"Hello Tomorrow" / Dave Koz

2010-11-30T22:18:00.005+01:00

El saxofonista Dave Koz ha canalizado toda su trayectoria de veinte años en la música a través de lo que se conoce como "smooth jazz", una fórmula ideal para músicos que buscan el éxito dentro de un contexto musical caracterizado por temas musicales que no necesariamente tienen una conexión de estilo entre ellos, que fácilmente puedan ser escuchados en las radios, sin exceder de más de cuatro minutos y buscando lo que se conoce como "escucha fácil", es decir, que puedan gustar sin necesidad de tener que realizar una audición en profundidad. Muchos músicos en los últimos años han sabido rentabilizar este estilo que, sin duda, ha elevado ese techo de audiencia que el jazz posee.

Dave Koz es el ejemplo de músico de gran nivel que ha orientado su estilo en esa dirección, tras haber grabado doce álbumes en los que el buen gusto predomina sin la necesidad de correr riesgos a la hora de buscar un estilo determinado o una unidad de criterio para sus discos. En "Hello Tomorrow", intervienen dos productores de mucho prestigio como son John Burk y el bajista Marcus Miller, músico que participa además en algunos de los mejores temas del disco. En este álbum, repleto de importantes colaboraciones, Koz también hace sus pinitos como cantante interpretando uno de esos temas maravillosos de la música compuesta por Burt Bucharach, "This Guys In Love With You", con el acompañamiento de trompeta a cargo del incombustible Herb Alpert. La balada "Start All Over Again", cantada por Dana Glover, se incluye en uno de los nuevos capítulos de la serie "Desperate Housewives" y, uno de mis temas favoritos, es "Put The Top Down", en el que intervienen Marcus Miller, Sheila E., Ray Parker Jr, Brian Culbertson y, sobre todos, el guitarrista Lee Ritenour dejando su huella de gran músico. Otro de los temas distinguidos es "Think Big", junto al trompetista Christien Scott, Marcus Miller, el guitarrista Keb' Mo y el "repescado" Greg Phillinganes (teclista).

"Sophisticated Ladies" / Charlie Haden Quartet

2010-11-25T17:16:00.002+01:00

Desde finales de los 50, cuando perteneció al cuarteto del saxofonista Ornette Coleman, el contrabajista Charlie Haden ha sido uno de los músicos y compositores de referencia siempre en la órbita del jazz moderno. Nacido en Iowa en el 37, sus primeras incursiones en la música fueron como cantante de country. Son los momentos en los que Haden contrajo la polio, enfermedad que afecta a sus cuerdas vocales, incapacitándole totalmente para cantar. Su pasión por la música le lleva a tocar el contrabajo, interesándose por el jazz, estilo que marcó toda su carrera discográfica y artística. Se traslada a Los Angeles y allí logra entrar en el cuarteto de Ornette Coleman, máximo exponente de lo que se conoció como free-jazz y, más tarde. lo hace en el trio de Keith Jarret. También Haden fue muy reconocido por sus dúos con pianistas como Kenny Barron o Hank Jones.

En su nuevo disco "Sophisticated Ladies", Charlie haden presenta un cuarteto maravilloso con Ernie Watts (saxo), Alan Broadbbent (piano) y Rodney Green (batería). El álbum presenta algunas de las canciones más bellas del jazz de las pasadas décadas que llevan la firma de compositores como Duke Ellington, Johnny Mercer o Hank Jones y están interpretadas por algunas de las cantantes de calidad y éxito en los últimos años. Interpretaciones que puedes escuchar en las voces de Norah Jones ("Ill Wind"), Cassandra Wilson ("My Love And I"), Melody Gardot ("If I'm Lucky"), Diana Krall ("Goodbye"), la mujer de Charlie Haden, Ruth Cameron ("Let's Call It A Day") o la soprano Renée Fleming ("I Love Like This").

"Nuevas Divas Del Jazz"

2010-11-21T18:14:00.003+01:00

Habituados a los recopilatorios de las grandes "divas"de la historia del jazz, este disco se caracteriza por incluir temas de artistas que se vienen significando en los últimos años por su calidad y frescura. Podemos decir que todas ellas pertenecen a la generación "post Diana Krall", la cantante y pianista canadiense que ha conseguido aumentar de manera considerable ese techo de audiencia y público que habitualmente tienen los cantantes o músicos que forman parte del universo jazz. "Nuevas Divas Del Jazz", es un álbum abierto, especialmente diseñado para aquellos que no se sienten agraviados por escuchar música desde estilos "colaterales" al jazz.

Algunas de las intérpretes de este disco, han conseguido éxitos realmente sobresalientes, como es el caso de Lizz Wright, Madeleine Peyroux o Melody Gardot. Este doble CD, rinde homenaje a Abbey Lincoln, la cantante y compositora americana fallecida este mismo año y que tanta influencia ha tenido en numerosas cantantes que, de una u otra manera, han intentado seguir sus pasos. Por edad, esta es la única excepción que se ha planteado en el disco. Temas de Eva Cortés, Claudia Acuña, Bebel Gilberto, Jane Monheit, Karryn Alyson, Ledisi, Erykah Badu, Natalie Cole, Lucy Woodward, Nnenna Freelon, Silje Nergaard, Beady Belle, Rebekka Bakken y más, completan este interesante recopilatorio.

"Backatown" / Trombone Shorty

2010-11-17T17:12:00.001+01:00

Troy "Trombone Shorty" Andrews es un músico nada común. Es capaz de hacer compatible su respeto a las "clásicos" del jazz y moverse, al mismo tiempo, dentro del rock más enérgico, con aderezo de soul, funky y hip hop. Su apodo, se lo puso su hermano mayor cuando, a la edad de cuatro años, ya desfilaba por las calles de su lugar de nacimiento, Nueva Orleans, tocando un trombón. Troy es el líder de su banda, la Orleans Avenue, artífices de este disco fantástico y sobresaliente, ideal para aquellos que gusten del vibrante sonido de los instrumentos de viento. Troy es uno de los ilustres graduados en el New Orleans Center, la escuela por la que pasaron Wynton y Branford Marsalis, Harry Connick Jr o Nicholas Peyton, entre otros. En su grupo, cuando ensayan, cada músico tiene su propia idea y gustos acerca de la música, pero cuando se "meten" a ensayar en la habitación "Gumbo", así la llaman, todos van en la misma dirección para que su música sea lo más homogénea posible. En Agosto de 2005, cuando el Katrina arrasó buena parte de Nueva Orleans, Troy estaba de gira con Lenny Kravitz, artista con el que ha colaborado en diferentes ocasiones y que ha tenido una gran influencia en su estilo.

Todos los temas del disco "Backatown" son originales, excepto el titulado "On Your Way Down", compuesto por otra de las grandes estrellas de Nueva Orleans, el músico, compositor y productor Allen Tussaint. También Lenny Kravitz, participa en otro de los temas, concretamente en "Something Beautiful".

En definitiva, aroma a la gran música que se respira en la ciudad más musical del mundo y descarga total de ritmos que te acercan a su tradición pero desde un contexto innovador y , yo diría, explosivo.

Entrevista / Esperanza Spalding

2010-11-17T15:05:00.004+01:00

En plena gira de conciertos por Europa, la contrabajista, cantante y compositora Esperanza Spalding ha hecho un alto en su trabajo para comentaros en esta entrevista para Vivejazz algunos aspectos de interés acerca de su música y estilo. Creo, con sinceridad, que estamos ante una de las nuevas "divas" del jazz contemporáneo aunque, a buen seguro, Esperanza dará rienda suelta a su creatividad y talento abarcando otros estilos en el futuro. Para la realización de su nuevo disco "Chamber Music Society" y también para sus conciertos, ha contado con músicos muy jóvenes, de su generación, de entre los que me gustaría destacar al pianista Leo Genovese, al que veis en la foto en la que estamos los tres. Puedes seguir la entrevista en el reproductor.

"Fellowship" / Lizz Wright

2010-11-09T22:05:00.004+01:00

Desde que escuché su versión de "Open Your Eyes, We Can Fly"(2003), tema de Chick Corea popularizado por Flora Purim, me di cuenta que Lizz Wright estaba llamada a ser una de las cantantes con más personalidad dentro de un concepto de jazz amplio y que abarca un variado abanico de posibilidades interpretativas. Tras su debut discográfico con "Salt" y hasta su nuevo disco "Fellowship", Lizz ha editado otros dos álbumes: "Dreaming Wide Awake" (2005) y "The Orchard" (2008), en los que predominan folk-jazz, góspel y jazz tradicional. Auténtica, coherente con su proyecto a largo plazo y valiente en el sentido de mantener su propio criterio hacia la música, Lizz Wright vuelve a deleitarnos con un nuevo disco en el que lo tradicional y contemporáneo mezclan sin estorbarse.

En "Fellowship"interviene el músico y compositor Toshi Reagon, uno de los grandes del folk- blues y que, años atrás, participó como invitado especial en conciertos de Lenny Kravitz o Elvis Costello. El es uno de los cualificados colaboradores que intervienen en este disco. Me' Shell N'Degeocello o Angelique Kidjo, entre otros, acompañan a Lizz en diferentes momentos de "Fellowship", todo un canto a los derechos civiles. Dos temas que me han llamado la atención, dentro del contexto góspel predominante en el disco, son "Presence Of The Lord" (Eric Clapton) e "In From The Storm" (Jimi Hendrix).

"Let's Touch The Sky" / Fourplay

2010-10-31T11:44:00.006+01:00

Fourplay acaba de cumplir veinte años desde su fundación y, en mi opinión, es uno e los grandes grupos de jazz contemporáneo. Cuando editaron su primer disco en el 91, muchos pensamos que esta formación no duraría mucho tiempo por el gran nivel y personalidad de sus componentes pero, con algunas variaciones, la estabilidad ha sido la clave del éxito de este supergrupo, a la que se une el indiscutible liderazgo del pianista Bob James, auténtico catalizador del estilo y música de Fourplay. Tres de sus miembros han mantenido la columna vertebral de la banda. Bob James (piano), Nathan East (bajo) y Harvey Mason (batería). En cambio, los guitarristas han ido cambiando con el paso de los años. Primero estuvo Lee Ritenour hasta el 97, luego Larry Carlton hasta el 2008 y, ahora, Chuck Loeb se ha incorporado a Fourplay, tras haber sido uno de los músicos de Bob James en sus últimos proyectos en solitario. Si nos fijamos un poco, los tres guitarristas, con sus diferencias, mantienen esa línea de elegancia y virtuosismo imprescindibles el el "estilo Fourplay".

En todo este tiempo, Fourplay han editado doce discos y, en "Let's Touch The Sky", permanecen las bases del sonido que ha hecho popular en todo el mundo a este gran grupo. También, siguiendo la línea de sus discos anteriores, prevalecen los instrumentales, pero también hay hueco para dos temas cantados y no son dos temas cualquiera: "Love TKO" fue una de las grandes baladas del cantante de soul Teddy Pendergrass y, para su interpretación vocal, Fourplay ha contado con Ruben Studdard, un muy buen cantante de soul nacido en Frankfurt, ciudad a la que su padre había sido destinado por la US Army y que emergió como vocalista en una de las ediciones de "The American Idol", la "operación triunfo" americana. Otra de las sorpresas del disco, es la recuperación de Anita Baker cantando el "clásico" "You're My Thrill", que en décadas pasadas interpretaran Lena Horne, Billie Holiday o, recientemente, Joni Mitchell o Diana Krall.

"Por Naturaleza" / Silvio López

2010-10-27T11:03:00.002+02:00

Conocí a Silvio hace años tocando el saxo en el grupo del guitarrista Thomas Figueroa y, desde el primer momento, me di cuenta que tenía delante a un músico de primer nivel. Cubano de nacimiento, su pasión por la música solamente es superada por la humildad con la que afronta todos y cada uno de sus pasos en un mundo, el de la industria musical, que parece estar diseñado para todo lo contrario. Desde su madurez como músico, Silvio se suma a la importante pléyade de músicos canarios, o que residen en las "afortunadas islas" y que han canalizado sus conocimientos y talento hacia el jazz fusión de manera inequívoca, consiguiendo estar en la vanguardia de este estilo a nivel nacional.

A parte de tocar saxo, flauta, teclados, piano o bajo, Silvio es un gran arreglista, podría ser un excelente productor y tiene las ideas muy claras para poner en circulación discos en los que la calidad no entre en conflicto con un cierto sentido comercial, en mi opinión imprescindible para que el jazz contemporáneo pueda elevar su nivel de popularidad y audiencia. "Por Naturaleza", su nuevo disco, está al nivel de cualquier músico consagrado en este estilo a nivel internacional y en el que piezas como "Canteras", "Mi Nueva Guitarra", "Someday In The Winter" o "Pura Casualidad" son algunos ejemplos de lo que os estoy comentando. En época de profunda crisis, también en la música, puede ser el momento de empezar a descubrir gente como Silvio López, un trabajador infatigable con la calidad suficiente como para que la industria discográfica le preste la atención que realmente merece.

"The Groover" / Mike Ledonne

2010-10-25T22:09:00.003+02:00

El año 1934, Laurens Hammond inventó el órgano que lleva su apellido, un instrumento creado en un primer momento para abaratar costes a las iglesias que no podían permitirse el tradicional órgano de tubos. Mike Ledonne (Connecticut 1956) es uno de los mejores especialistas en el manejo del Hammond B3, instrumento que pesa una tonelada y que músicos de jazz y rock empezaron a utilizar en la década de los 60'. Músico por tradición familiar (su padre era dueño de una tienda de música y guitarrista de jazz), Ledonne se unió a la Orquesta del vibrafonista Milt Jackon en el 88 y permaneció en la misma durante once años. A pesar de no ser un músico popular para una mayoría, a lo largo de su brillante trayectoria ha tenido la oportunidad de trabajar con algunos de los nombres más idolatrados de la historia del jazz (Benny Goodman, Sonny Rollins, Art Farmer, Bobby Hutcherson, Dizzy Gillespie o Benny Golson). Cada martes, suele tocar en el Smoke Jazz Club de New York.

Mike Ledonne, bajo la influencia de otros grandes organistas como Jimmy Smith o Charles Earland, edita su nuevo disco titulado "The Groover", un disco en el que ese sonido swing caracteristica del Hammond B3, mezcla con el ritmo "groove" y con elementos tanto clásicos como contemporáneos, segun los temas del repertorio que Mike ha seleccionado para este disco, variado y ecléctico en cuanto a su contenido. El álbum abre con una versión de "Rock With You", de Michael Jackson y, como destacados, me gusta el arreglo que hace de "On The Street Where You Live", del musical My Fair Lady y "The Groover", composición suya remarcando el contagioso estilo shuffle. Músicos de calidad contrastada y originalidad demostrada, acompañan a Ledonne en este proyecto: Eric Alexander (saxo), Peter Bernstein (guitarra) y Joe Farnsworth (batería).

"Didn't You Say" / Simone Kopmajer

2010-10-17T12:42:00.006+02:00

De Simone Kopmajer, ha sido la idea de incluir, en un mismo disco, grandes temas de varias generaciones y es que, esta joven cantante austríaca, ha logrado en muy corto espacio de tiempo, deleitar con su sofisticada y cálida voz a un considerable número de adeptos que han sabido valorar sus grandes condiciones a la hora de saber interpretar, siempre con originalidad, temas de jazz, pop, blues o folk. De Motown a Rodgeers & Hart, de Prince a Gershwin, Simone se desenvuelve, a sus veinte años, con una claridad de ideas propia de una cantante consagrada. Con influencias de Sinatra, Jon Hendricks y Ella Fitzgerald, James Taylor, Bob Dylan o Aretha Franklin, está mas cerca de Madeleine Peyroux que de Diana Krall, pero sin parecerse a ninguna de las dos, componiendo además, tres muy buenos temas de su disco "Did't You Say".

Del musical "Kismet" (1953), incluye "Baubles, Bangles And Beads", aquel tema que Deodato popularizó en la década de los 70'. Recordando a Frank Sinatra, puedes disfrutar de la versión de "Come Fly With Me" o trasladarte al 51, de la película "Un Americano En París, con la brillante interpretación que Simone realiza de "S'Wonderful". Ahora bien, los temas que más sorprenden, son aquellos que tienen que ver con "clásicos" que en sus originales nada tienen que ver con el jazz. Es muy curioso, oirla cantar temas como "Everything Must Change", de Nina Simone, "Kiss", el gran éxito de Prince ,""How Sweet It Is", de Marvin Gaye o el tema country "Tennesse Waltz". Otro aspecto interesante de "Didnt You Say" es la cuidada instrumentación. Simone tiene su propio grupo y, a pesar de la variedad de repertorio, el sonido homogéneo permanece a lo largo de todos los temas del disco.

"Deja Vú" / George Duke

2010-10-10T19:14:00.001+02:00

Sin duda, George Duke es uno de los músicos más completos de las últimas décadas y un auténtico "maestro" en la simbiosis del jazz con otros estilos musicales. Su gran éxito, no sólo se circunscribe al ámbito de sus propias grabaciones, sino que "salpica" a numerosas producciones de las que él es responsable. En los últimos años, tanto Dianne Reeves como Rachelle Ferrell han sido las más beneficiadas por la "varita mágica" de este músico californiano a la hora de hacerse cargo de sus discos. Sus primeras influencias fueron Miles Davis y el sonido jazz-soul de Les McCann y Cal Tjader. Músico de Frank Zappa a finales de los 60', también participó de otros grandes proyectos como el dúo que formó con Al Jarreau en San Francisco, con el violinista Jean Luc Ponty o junto al bajista Stanley Clarke, entre otros.

En "Deja Vú", George Duke sigue la tendencia de su anterior "Dukey Treats", con un mayor aporte de sintetizadores y ahondando en su estilo de los primeros tiempos, pero siempre con un sonido actualizado. Otra de las características afín a cualquiera de sus discos, es la incorporación de músicos, ya habituales en sus producciones y que se acoplan como un "guante" a su estilo. Es el caso del saxofonista Everette Harp o el guitarrista Ray Fuller, a los que se suman otros no tan asiduos en sus discos como Paul Jackson Jr. (guitarra), Nicholas Peyton (trompeta) o el veterano Hubert Laws (flauta). Hablando de conexiones con su pasado, "A Melody", el tema que abre el disco, seguro te hará recordar aquel "Brazilian Love Affaire", con ese ambiente carioca característico en muchos de sus temas. Pero lo que más me gusta de "Deja Vú", es la mezcla de jazz, soul y funky que realiza "el duque". Esencia de Stevie Wonder en "Bring Me Joy", la influencia del Miles más funky de la época de "Tutu" en "Ripple In Time" o la "revisión" de "& O'Clock", tema recogido en su álbum "Snapshot", como algunos de los temas más destacables, aunque recomiendo la audición completa del disco.

"Songs Of Colored Love" / Winterplay

2010-10-06T17:20:00.005+02:00

Desde Korea, Winterplay es un duo-grupo cuya estructura es el equivalente asiático a los Tok Tok Tok alemanes, aunque su estilo es distinto. La cantante Haewon y el trompetista Juhan Lee, ambos tan rebosantes de juventud como carentes de prejuicios y complejos, ahondan, en su nuevo disco "Songs Of Colored Love", en un repertorio tan variado como atractivo desde la perspectiva del pop jazz. El año 200, Juhan deslumbró con un álbum en solitario titulado "Nouveau Son" para, con parte de los músicos de su grupo, formar Winterplay más adelante. El año 2008, esta formación ficha por la firma Universal Japan, debutando con el disco "Songs Of Colored Love".

Escuchando el disco, sorprende por los arreglos que han hecho de temas muy populares, casi siempre procedentes del mundo del pop y haciendo una buena traslación al jazz. Sorprenden las versiónes de "Billie Jean" (Michael Jackson), "You Got It" (Roy Orbison) o "You're In My Heart" (Rod Stewart), siempre buscando una cierta desfiguración de su estructura, para no parecerse demasiado a los originales y con la que Winterplay buscan y encuentran su personalidad a la hora de abordar e interpretar estos "Clásicos" del pop. Con ambiente "cabaret", "Moon Over Bourbon Street"(Sting) es uno de los temas que más me ha gustado del disco, junto al inolvidable "Quando, Quando, Quando" (Tony Renis). Entiendo que, dentro de la expansión asiática por todo el mundo, la música puede ser una de las "artes" más difícilmente exportables desde paises como Korea. En cualquier caso, Winterplay son un ejemplo de cómo poder acercarse al mercado discográfico occidental, aunque sea recurriendo a versiones de temas muy populares y de éxito, pero con talento y cierta personalidad.

"Tides Of Yesterday" / Carolyn Leonhart

2010-10-06T10:29:00.002+02:00

En las últimas semanas, Carolyn Leonhart ha sido la voz principal de los coros de Donald Fagen, Boz Scaggs y Michael McDonald, en la gira que estos tres grandes de la música americana han realizado por su pais. Es normal, si tenemos en cuenta que esta cantante ha permanecido junto a Steely Dan la última década, demostrando su valía, incluso en un segundo plano. Nacida en el seno de una familia de músicos, desde muy joven, Carolyn empezó a decantarse por el estilo de algunas de las "divas" del jazz, como Sarah Vaughn, Carmen McRae o Peggy Lee, aunque también escuchaba a Stevie Wonder, The Doobie Brothers y, por supuesto, a Steely Dan, grupo con el que ha realizado tres giras por todo el mundo, dos discos y cuatro grammys conseguidos, también con su colaboración.

Su primer disco como solista lo editó el año 2000 en el sello Sunnyside. "Steal The Moon" lo realizó en colaboración con el pianista y compositor Rob Bargad. Comenta Carolyn, que desde que grabó este disco su inclinación a instrumentistas como Miles Davis, Herbie Hancock o Wayne Shorter, ha predominado sobre los solistas del jazz-vocal. El año 2003, Carolyn fue portada de la revista Jazziz, reconociéndola como una de las voces con más futuro. En su segundo disco, "New 8th Day", inicia su colaboración con el saxofonista Wayne Escoffery, con quien ha grabado "Tides Of Yesterday", una selección de canciones con la firma de grandes compositores como Lee Morgan, Richard Rodgers, Steely Dan, Patrice Rushen, Charles Mingus o Michel Legrand. Con una voz de tonalidad cristalina, muy natural y distinta, Carolyn Leonhart es uno de los activos más creíbles del jazz contemporáneo en la actualidad.

"I've Loved These Days" / Monica Mancini

2010-10-04T20:38:00.004+02:00

Con cinco discos editados, su fantástica voz no ha pasado inadvertida para aquellos que hemos seguido su trayectoria. Con amplitud de miras, Mónica Mancini consigue, en su nuevo disco "I've Loved These Days", desde la elegancia y con un estilo impecable, abarcar diversos estilos musicales y profundizar en un repertorio marcado por la nostalgia hacia su etapa de adolescencia y juventud. Hija del compositor Henry Mancini y de la cantante de estudio Ginny O'Conner, Mónica empezó cantando en el Henry Mancini Chorus para, posteriormente, interpretar para grandes orquestas como Chicago Symphony, New York Pops, Boston Pops o London Metropolitan Orchestra. Uno de los aspectos más destacable de este disco son las "coincidencias" que tienen lugar en esta grabación y es que muchos de los originales de este disco, fueron en su momento producidos por Phil Ramone, productor también de este proyecto. Por otro lado, el álbum incorpora, como invitados, a algunos de los artistas que interpretaron los temas en su versión original. Asi, Jackson Browne canta y toca la guitarra en "These Days", en "God Only Knows" aparecen Brian Wilson (Beach Boys) y Take 6, en "Blame It On The Sun", Stevie Wonder toca la harmónica y Félix Cavaliere, lider de The Rascals, participa con su Hammond B3 en "How Can I Be Sure".

"I've Loved These Days" se completa con otros temas que, sin invitados especiales, emocionan igualmente. De Paul Simon, Monica Mancini interpreta "American Tune" y "Something So Right", de Beatles "I'll Follow The Sun", de Janis Ian "Joy" y, de Billy Joel "I've Loved These Days", título del disco.

"Going Back" / Phil Collins

2010-09-26T16:49:00.003+02:00

Cuando Phil Collins grabó en el 82 "You Can't Hurry Love", uno de los hit-singles de Diana Ross & The Supremes, dejó claro su interés por la música soul en general y Motown en particular. Los éxitos de la firma de Berry Gordy Jr., han acompañado a Phil Collins desde la década de los 60' y, aunque no podemos considerarlos como una influencia clave en su carrera, primero en Genesis y luego en solitario, lo cierto es que el interés que siempre ha tenido por este tipo de música le ha llevado, en su etapa de madurez, a grabar un disco en el que repasa unos temas que han marcado la historia de la música negra americana, pero que también acapararon las primeras posiciones de las listas de éxitos inglesas. Desde ese punto de vista nostálgico, Phil regresa a la actividad discográfica tras seis años sin grabaciones, ya sin realizar giras y conciertos y, como él ha comentado recientemente, cuando ha perdido bastante sensibilidad en los dedos, lo que le limita como baterista.

Es curioso que este disco, con temas de Motown, haya sido grabado en la firma rival Atlantic. "Going Back", "el álbum de mi vida", como lo ha definido Collins, nos remonta a una música que, especialmente en las composiciones de los primeros tiempos de Holland, Dozier & Holland, la batería era ese instrumento definitivo a la hora de marcar un ritmo siempre contagioso. Precisamente, Phil colaboró con Lamont Dozier en los 80' y esa amistad ha contribuido también a la realización de este disco. "Heatwave", "Uptight", "Papa Was A Rolling Stone", "Jimmy Mack", "Standing In The Shadows Of Love", "Going To A Go Go, "Dancing In The Street" son algunos de los temas de este nuevo disco de Phil Collins, acompañado por el grupo The Funk Brothers.

"Guitar Heaven" / Santana

2010-09-24T10:39:00.006+02:00

De la mano del productor Clive Davis, el guitarrista Carlos Santana ha conseguido en los últimos años éxitos de un calibre inimaginable para un músico que vivió sus mejores momentos en la década de los 70' con discos que pertenecen a la historia de la mejor fusión. Títulos como "Abraxas", "Caravanserai" , "Borboletta", "Moonflower" o "Marathon", son ejemplos del talento natural, carente de tecnicismo, característica principal del estilo de Santana. Davis, fundador del sello Arista y Presidente de la CBS Records, ayudó y de qué manera en la primera época de expansión de la Santana Band y, tras un periodo largo sin colaborar, retomó las riendas de la actividad discográfica del guitarrista, volviendo a recuperar a un músico que había perdido buena parte de su magia en la década de los 90'.

"Guitar Heaven" es una nueva demostración de la capacidad de Santana para adaptarse a cualquier situación estilística que se le presente, dominándola siempre con el sonido inconfundible de una guitarra que conserva la frescura de siempre. Ahí radica, como circunstancia principal, el éxito de sus discos. Luego, viene el trabajo de un productor que sabe elegir músicos y cantantes para cada ocasión, a la vez de seleccionar un repertorio adecuado que, en este caso, su basa en una selección de temas históricos en los que la guitarra ha tenido un protagonismo especial. El álbum abre con "Whole Lotta Love", de Led Zeppelin, junto a Chris Cornell, cantante de Audioslave y Soundgarden. En el tema de The Doors", "Riders On The Storm", Santana toca junto a Ray Manzarek, teclista de la legendaria banda de Jim Morrison, e incorpora como cantante a Chester Bennington, solista de Linkin Park. La versión "latina" de "While My Guitar" (George Harrison) es extraordinaria, interviniendo como invitados la cantante India Arie y el cellista Yo Yo Ma. En "Bang A Gong" (T.Rex), el cantante es Gavin Rossdale, del grupo británico Bush y en "Little Wing" (J. Hendrix) nada más y nada menos que el incombustible Joe Cocker.

"Guitar Heaven" incluye catorce temas y, la edición "deluxe", aporta un DVD con el "making of" del disco sí como una entrevista a Santana y Clive Davis.

"Chamber Music Society" / Esperanza Spalding

2010-09-06T22:48:00.012+02:00

Desde que su maestro Pat Metheny le comentó la posibilidad de que, a parte de tocar el contrabajo, también podía ser una extraordinaria cantante, Esperanza Spalding no ha parado de progresar en esta faceta. Sus inmejorables cualidades como contrabajista, cantante, compositora y productora, la han llevado, con su segundo disco, "Esperanza", a permanecer 70 semanas en los primeros puestos de la lista de Jazz Contemporáneo de la revista Billboard, constituyendo una revelación necesaria para un estilo que, a veces, adolece de nuevos talentos. Su talento, desparpajo, virtuosismo y elegancia no han dejado indiferente a nadie, ni al propio Obama, uno de sus más fervientes admiradores.

Ella es una auténtica "revolución" en si misma y sus conciertos la acreditan como una de las figuras emergentes de cara al presente y futuro. Sus comienzos discográficos no han sido fáciles. Su primer disco "Junjo (2005), pasó prácticamente inadvertido para público y crítica, aunque fue una buena declaración de intenciones. Hubo que esperar hasta el 2008, con 23 años, para su primera irrupción consistente en el mercado discográfico con su segundo disco "Esperanza", apoyado durante casi dos años, por varias giras por todo el mundo en las que dio la verdadera medida de sus ilimitadas posibilidades.

Ha pasado el tiempo y su tercer álbum "Chamber Music Society", se ha hecho esperar. No era fácil porque, el nivel demostrado en el álbum anterior, era para pensárselo muy bien. Después de escucharlo varias veces, uno se queda maravillado de la evolución de su estilo y música. La baterista Terri Lynne Carrington, el pianista Leo Genovesse y el percusionista Quintino Cinalli son los músicos que le acompañan. La cantante Gretchen Parlato, también colabora en el disco. Esperanza abre "CMS" con "Little Fly", un poema de William Blake y si en su anterior, "Esperanza", interpretaba "Ponta De Areia", del gran Milton Nascimento, en este nuevo disco vuelve a hacer "guiños" a la música brasileña con "Inutil Paisagem", una composición de Antonio Carlos Jobim en la que Gretchen Parlato demuestra lo gran cantante que es. Otro de los temas destacables es "Wild Is The Wind", en el que interviene David Agger al cello, con Genovesse tocando la melódica, combinando jazz, tango y pop. En "Winter Sun", Esperanza profundiza en el jazz moderno, pero con un cierto aroma a nu-soul. El jazz necesita de valores como Esperanza Spalding, capaces de revolucionar un estilo a veces poco flexible. Este mes de Septiembre, la prestigiosa revista Downbeat le dedica su portada.

"54" / Metropole Orkest, John Scofield & Vince Mendoza

2010-09-03T10:51:00.004+02:00

Vince Mendoza, director de la Metropole Orkest holandesa, tuvo a principios de los 90' el privilegio de haber podido contar en dos de sus discos con el guitarrista John Scofield: "Start Here"(90) e "Instructions Inside" (91). Gran director y arreglista, infatigable músico que se ha desenvuelto a las mil maravillas con instrumentistas del nivel de Randy Brecker y Joe Zawinul, o solistas como Björk o Joni Mitchell, es la "batuta" idónea para la realización de este ambicioso proyecto de virtuosos, en el que se entremezclan sus composiciones con las del propio Scofield.

Como invitados especiales en esta "fiesta", los músicos de la Metropole Orkest, quienes, desde su formación el año 45, se han caracterizado por sus múltiples incursiones en estilos musicales como jazz, pop o rock, sin perder su estética clásica y demostrando una gran flexibilidad a la hora de acompañar a gente tan diversa como Elvis Costello, Chaka Kahn, Vicente Amigo, Ella Fitzgerald, Gino Vannelli, Joe Cocker, Steve Vai, Dizzy Gillespie o Ivan Lins, entre otros muchos. De los nueve temas que incluye "54", siete son de Scofield y dos de Mendoza procedentes de su disco "Instructions Inside". Scofield, por su parte, ha elegido su repertorio de los 90', cuando grababa en el sello Blue Note, destacando por temas como "Out Of The City" ("Hand Jive"), "Honeste I Do" ("Grace Under Pressure") o "Peculiar" ("Groobe Elation").

"The Stanley Clarke Band" / Stanley Clarke

2010-07-08T23:34:00.002+02:00

El bajista Stanley Clarke, músico de mil proyectos en grupo y en solitario, ha decidido en estos últimos cinco años reforzar su discografía tras un periodo largo en el que este músico, uno de los más influyentes y figura clave en la historia del jazz eléctrico, se dedicó a la docencia practicándola en diferentes universidades americanas. Junto a Chick Corea, Stanley formó parte de Return To Forever y quien de nosotros no ha disfrutado con los discos grabados en compañía del teclista George Duke (The Clarke-Duke Project). Sus álbumes como solista han dejado una huella imborrable y forman parte de la historia del mejor jazz contemporáneo.

La referencia inmediata anterior a este nuevo disco es "Jazz In The Garden", una experiencia discográfica nueva en disco pero no a lo largo de su carrera musical. En este disco, Clarke toca el bajo acústico como lo hiciera en la época en la cual este genial músico de Philadelphia acompañó a figuras del jazz como Dexter Gordon, Art Blakey, Gil Evans o Stan Getz. Junto a la pianista japonesa Hiromi y el baterista Lenny White, este disco refleja la gran calidad de este músico a la hora de liderar grupos. Ahora, con "The Stanley Clarke Band", sus pretensiones van más en la línea de actualizar la fusión que le hiciera tan popular en los 70' y 80', es decir, tocando el bajo eléctrico. En este disco intervienen, siempre es interesante destacarlo por la facilidad que tiene Stanley para "hecer escuela", la pianista Hiromi que repite después de la experiencia anterior, el teclista ucraniano residente en Boston Ruslan Sirota, un músico con un futuro importante y el baterista Ronald Bruner Jr., componente en el pasado de una banda de punk-rock llamada Suicidal Tendencies y que luego ha acompañado a figuras estelares del jazz como Roy Hargrove, Lee Ritenour, Robben Ford o Marcus Miller. Músicos todos ellos muy jóvenes encargados de reivindicar, junto a Stanley Clarke, su elegante y efectista fusión de antaño sobre la base de un sonido actual.

"6 String Theory" / Lee Ritenour

2010-07-08T19:21:00.001+02:00

En el encarte de este disco, Lee Ritenour se pregunta dos veces si es un disco suyo o no. La primera vez contesta que si y la segunda que no. La explicación es sencilla: "Captain Fingers", como se conoce a Lee, ha dirigido el proyecto, pero el porcentaje de protagonismo se reparte entre los numerosos músicos, incluido él y especialmente guitarristas, que han participado de "6 String Theory", un disco increíble que hará las delicias de los adictos al blues, rock y jazz, por este orden. Steve Lukather, músico del legendario grupo californiano Toto, ha sido en todo momento el principal apoyo de Ritenour a la hora de realizar un nuevo álbum monográfico que se suma a anteriores proyectos como han sido los dedicados a Jobim, Motown o Bob Marley.

"6 String Theory" es una sucuesión de temas para disfrutar escuchándolos, después que sus protagonistas lo hayan hecho en el momento de grabarlos. El álbum abre con "Lay It Down", en el que John Scofield marca territorio y Lee se acopla perfectamente a su estilo. Aquí hay de todo, para todos y todo bueno con solos que te harán levantar del asiento protagonizados por Steve Lukather, Neil Schon ( guitarrista de Journey), Joe Bonamassa, Pat Martino, Keb' Mo', Taj Mahal, Slash (guitarrista de Guns N' Roses), George Benson, B.B. King, Mike Stern, etc.. El repertorio abarca desde los comienzos de la guitarra eléctrica con el tema "LP", dedicado a Les Paul, pasando por el jazz más standard reflejado en temas como "Moon River" o "My One And Only Love", con George Benson como protagonista. Blues apasionado y tradicional en "Am I Wrong" de la mano de Keb' Mo' y Taj Mahal o "Why I Sing The Blues", con B.B.King, Jonny Lang y el propio Lee Ritenour. El blues contemporáneo con dos de sus grandes artífices de dos generaciones distintas como Robert Cray y Joe Bonamassa y, rock de primer nivel en "piezas" como "68", con Steve Lukather, Neal Schon y Slash.

"Pushing The Envelope" / Gerald Albright

2010-07-03T19:43:00.001+02:00

Tanto en su concepción musical jazzística, como en su inclinación de siempre hacia el R&B, el saxofonista Gerald Albright, buen productor y mejor arreglista, siempre nos ha parecido uno de los músicos más sólidos e interesantes de los últimos 25 años. Recuerdo, por ejemplo, aquel álbum de Phil Collins titulado "A Hot Night In Paris" (98), un proyecto para big band con el baterista de Génesis como protagonista y la impecable dirección musical de Gerald. También, ya en el 99, "Pleasures Of The Night", el disco grabado junto al cantante Will Downing y que me dejó impresionado tanto por su calidad, como por el sonido cálido de su saxo que mezclaba perfecto con la intensidad vocal del cantante americano, criado en Inglaterra.

"Pushing The Envelope", novedad en Vivejazz, es un disco marcado por el jazz-soul y por el virtuosismo de este músico, elegante como pocos. El álbum abre con "What Would James Dot?", un homenaje a la figura de James Brown con el trombonista Fred Wesley como invitado. De el "padrino del soul", comenta Albright que ha sido una de sus influencias y que, haber conseguido grabar con uno de sus músicos, le produjo una sensación especial. Gerald realiza en su nuevo disco dos versiones: "Close To You", el tema de Burt Bucharach y del que comenta que se levantó una mañana en Nairobi cantándolo y esa misma mañana ya le había hecho un arreglo especial y "Get On The Floor" de Michael Jackson.

Gerald Albright toca en "Pushing The Envelope" todos los saxos y también el bajo de manera sobresaliente. En su disco, aparte de Fred Wesley, también colaboran el guitarrista acústico Earl Klugh y el teclista George Duke, uno de nuestros músicos favoritos y que también participó en el proyecto de Phil Collins antes comentado. En definitiva, un álbum que, en mi opinión, está la mejor nivel de un músico inigualable y que ha sabido apartarse a tiempo de la corriente "smooth" que había marcado algunos de sus últimos discos.

Vivejazz en Facebook y Twitter

2010-07-03T15:42:00.011+02:00

Nuestras páginas en Facebook y Twitter, están consiguiendo la recuperación de muchos de mis oyentes que han vuelto de nuevo a "sintonizar" con el estilo de música que nos caracteriza. La verdad es que no podía imaginar que fuéramos a ser, a día de hoy, 340 personas reales, no buscadas "a lazo", dispuestas a participar, comentar y proponer ideas de manera continua y con la inmediatez que proporcionan estas dos redes sociales. Vivejazz Facebook y Vivejazz Twitter son dos páginas que prolongan el contenido del blog Vivejazz y aumentan las posibilidades participativas de nuestros seguidores y amigos. Gracias a los que ya están con nosotros y bienvenidos a los que están llegando.

"Groove Alchemy" / Stanton Moore

2010-06-09T12:55:00.002+02:00

Stanton Moore es uno de los bateristas más influyentes y notables dentro del ámbito de la música groove, un estilo caracterizado por la suma de jazz y funky. Influido por algunos de los "gigantes" de su ciudad, Nueva Orleans, como Professor Longhair, Dr. John o The Meters, Moore se dio a conocer en todo el mundo formando parte del grupo Galactic, banda de referencia del mejor jazz-funk de vanguardia en la segunda mitad de los 90'. Moore también ha participado de otros proyectos como Emphasizer, Outre Mer o Power Patriot. Su primer disco en solitario, "Flyn' The Koop" (2001), fue toda una demostración de baterista poderoso, creativo y, sobre todo, con importantes recursos a la hora de aportar nuevas y vanguardistas ideas en un contexto vinculado a lo que se conoce como retro-funk, estilo sobre el cual el guitarrista John Scofield ha dado cumplida cuenta en muchos de sus discos.

En este nuevo disco, "Groove Alchemy", Stanton Moore explora en las raices de la batería funky y, en especial, de los que fueron sus pioneros como Jabo Starks, Clyde Stubblefield y Zigaboo Modeliste. A parte del disco, que se puede adquirir por separado, este ambicioso proyecto multimedia incluye un DVD y un libro instructivo, que considero imprescindible para los aficionados o profesionales de la batería. En "Groove Alchemy", Moore está acompañado por el sensacional organista Robert Walter, otro de los líderes del retro-funk y que los oyentes de Area Reservada recordarán tanto por su disco "There Goes The Nighborhood"como por haber sido componente del grupo Greyboy All Stars. El guitarrista Will Bernard completa el trio.

"Now Is The Time" / Jeff Lorber Fusion

2010-06-08T14:53:00.003+02:00

Weather Report y Return To Forever, fueron dos de los grupos con mayor capacidad de influencia en otras formaciones ávidas de fusionar el jazz con otros estilos musicales. A partir del 77 y hasta el 82, la Jeff Lorber Fusion protagonizó cinco extraordinarios álbumes que hoy son historia del mejor jazz contemporáneo de esa época, llena de iniciativas tendentes a renovar el estilo. Jeff Lorber (Philadelphia, 1952), teclista, compositor y productor musical, fue el líder de ese proyecto apoyado por una firma independiente llamada Interior City. A partir del 82, Lorber ha sido un músico incansable que ha sabido alternar su propia producción discográfica con la de numerosos artistas y músicos que se han beneficiado de su calidad musical. En este sentido y en las dos últimas décadas, supo sacarle todo el partido a la "explosión" del smooth jazz, aunque muchos quedamos huérfanos de aquella JLF y siempre creímos que su talento daba para mucho más.

"Now Is The Time" es una superproducción con la que Lorber abre de nuevo camino a su legendaria banda. Con una capacidad de convocatoria a la que pocos músicos pueden llegar, las colaboraciones de este disco no dejan lugar a dudas de la categoría de este músico: Paul Jackson Jr., Randy Brecker, Jimmy Haslip, Vinnie Colaiuta, Eric Marienthal, Dave Weckl o la cantante barcelonesa, todo un descubrimiento, Irene B.. Recuperando el espíritu del jazz-fusión de los 70, con un sonido actual y compacto, el teclista Jeff Lorber reaparece con renovados ánimos para seguir siendo uno de los músicos más acreditados y versátiles del jazz sin complejos.

"The Coltrane Hartman Fantasy Vol.1" Kevin Mahogany & Tony Lakatos

2010-05-27T19:58:00.002+02:00

En 1963, el sello Impulse, editó uno de los discos clave de la historia del jazz protagonizado por el saxofonista John Coltrane y el versátil cantante, también pianista, Johnny Hartman. Se habían conocido en la década de los 40' participando ambos en la banda de Dizzy Gillespie. Coltrane nunca antes había grabado un disco con vocalista y su reticencia era total tras la propuesta del productor Bob Thiele, maestro de ceremonias del proyecto. Aquel mismo año, en un concierto de Coltrane en el Birland de New York, Johnny interpretó algunos temas en calidad de invitado especial y fue justo en ese momento, cuando se desbloqueó la idea de Bob de realizar un disco juntos. Los temas fueron grabados de una sola toma en los míticos estudios Van Gelder y pusieron de manifiesto la gran categoría de Johnny cantando baladas y Coltrane como músico de referencia del jazz contemporáneo.

Este es el escenario en el que el cantante Kevin Mahogany y el saxofonista Tony Lakatos han querido reivindicar aquella música inolvidable en el disco "The Coltrane Hartman Fantesy Vol.1". Mahogany es, tal vez y en mi opinión, el mejor baladista de jazz de los últimos tiempos y heredero de la forma de interpretar de Johnny Hartman y, por su parte el saxofonista húngaro Tony Lakatos, demuestra su extraordinario nivel como músico. El resultado de esta "recreación" no pasará inadvertida para aquellos que sepan apreciar un disco de los que no se olvidan, como el proyecto original.

"Devil My Care" / Jamie Cullum

2010-05-27T18:35:00.003+02:00

Desde 1960, año de su fundación, el sello británico Candid Records ha editado más de trescientas referencias que se corresponden con algunas de las figuras más destacadas del jazz: Charles Mingus, Max Roach, Abbey Lincoln o Eric Dolphy, entre otros muchos. En los últimos años, Candid ha sido la plataforma imprescindible para arrtistas que se han ido consolidando en la escena del mejor jazz internacional, como Jamie Cullum, Stacey Kent, Mishka Adams o Kyle Eastwood. Para celebrar este 50 Aniversario, Candid edita una serie de volúmenes con su material más destacado bajo la denominación "Candid Vigette Series".

Jamie Cullum, estrella indiscutible del jazz pop en la última década, tenía 22 años cuando firmó por el sello Candid. En esa épòca, actuaba en pequeños clubs y pubs acompañado por el bajista Geoff Gascoyne y el baterista Sebastian de Krom, compañeros y amigos que grabaron el primer disco de Jamie titulado "Pointless Nostalgic". En este disco-aniversario se incluyen canciones de esa primera época del trio, dos colaboraciones de Jamie con Gascoyne en el álbum de éste titulado "Keep It Yourself" y una producción del propio Cullum para el pianista y cantante Bob Dorough, una de sus influencias más notables. Clásicos del jazz como "Well You Needn't" (T. Monk) o"It Ain't Necessarily So" (Gershwin), junto a temas de diferente signo como "God Only Knows" (Beach Boys), conforman el disco "Devil My Care", como parte de ese medio siglo de existencia del sello Candid.

"Rise Above" / Jacques Schwarz-Bart

2010-05-11T18:07:00.000+02:00

A principios del año 2000, el cantante D'Angelo decidió una reestructuración en su grupo. Es el momento en el que se marcha el trompetista Roy Hargrove, encargándole al saxofonista guadalupano Jaques Schwarz-Bart la dirección de su sección de viento, aprovechando la oportunidad para darse a conocer como músico en los sectores cercanos al neo-soul y jazz. En este periodo, Jaques conoce a la cantante Stephanie Mckay con la que se casa más adelante. Este dato rosa es muy importante a la hora de presentarte su nuevo disco, "Rise Above", pues la cantante que interviene en casi todos sus temas es ella, una gran solista y compositora neoyorkina con la que disfrutamos años atrás escuchándola en grupos como Brooklin Funk Essentials o al lado de artistas y músicos como Kelis, Roy Hargrove, Amp Fiddler, Ronny Jordan o el mismo D'Angelo.

"Rise Above" es un extraordinario disco con la firma del saxofonista Jaques Schwarz-Bart dirigido a una audiencia que le pide al jazz algo de riesgo y sonidos que puedan ser interesantes y atractivos para el público más joven. En este álbum, en el que Stephanie canta increible, puedes apreciar el sentido del jazz orientado hacia el soul, r&b o hip hop, esencia de buena parte de Roy Hargrove en los últimos tiempos a través de su proyecto RH Factor y clara influencia de Jaques a la hora de materializar este sensacional disco que cierra con el tema "Home", una composición de Meshell N'Degeocello para Jaques Schwarz-Bart.

El tema que da título al disco "Rise Above" fué escrito por Jaques en NY un día después del 11S y es una canción de esperanza y oración. "Forget Regret" es la primera canción con letra que Jaques ha compuesto, hasta ahora siempre inmerso en instrumentales. "Feel So Free" marca el punto medio entre el soul y sonidos criollos bajo la influencia de Stellio o Cesaria Evora. "This One" es un tema groove en el que, según afirma el saxofonista, puedes bailar moviendo tu cuerpo en dos direcciones distintas al mismo tiempo.

Signature Edition / La esencia del sello ACT

2010-05-02T13:31:00.003+02:00

Fundado en el 92 por el productor Siegfred Loch, el sello independiente alemán ACT es sinónimo de calidad, máximo exponente del jazz contemporáneo europeo y plataforma decisiva para muchos músicos que están triunfando gracias al espíritu innovador, vanguardista y arriesgado de esta prestigiosa firma. Ese año 92, ACT inicia su andadura con el proyecto Jazzpaña, protagonizado por Arif Mardin, Vince Mendoza, Michael Brecker, Carles Benavente y Perico Sanbeat. Posteriormente, otros músicos extraordinarios, siempre con proyectos claros e ideas renovadoras, han ido consolidando ACT MUSIC como imagen de marca.

"Signature Edition" es la denominación de una serie de volúmenes, cuyos temas han sido seleccionados personalmente por sus músicos y que sirven de "repaso" a su trayectoria en ACT. Wolfgang Haffner, el baterista de Metro y uno de los músicos con más talento a nivel europeo, aporta en su doble CD muchos de sus mejores composiciones en las que participan Nils Landgren, Chuck Loeb, Victor Bailey, Anthony Jackson, Will Lee, KlausDoldinger, Randy Brecker o Mezzoforte, entre otros.

El bajista y cellista sueco Lars Danielsson protagoniza otro de los "Signature Edition". Compositor, arreglista y productor, Lars ha maravillado con su propio cuarteto al que también pertenecen Dave Liebman, Jon Christensen y Bobo Stenson y ha trabajado junto a los grandes del jazz contemporáneo como Brecker Bros., Mike Stern, John Scofield o Trilok Gurtu.

Otro de los músicos que forma parte de esta colección, es el prestigioso guitarrista Ulf Wakenius, componente en el pasado de Oscar Peterson Quartet y Ray Brown Trio. Como gran referencia del jazz-guitar en todo el mundo, Ulf es un instrumentista de primer nivel cuyo cálido estilo le ha llevado a colaborar con el mismísimo Pat Metheny y también con Michael Brecker, Herbie Hancock o Roy Hargrove, entro otros muchos.

Para cerrar la serie, el guitarrista francés Nguyên Lê. Hijo de padres vietnamitas, es uno de los músicos habituales de la WDR Big Band. Su estilo se caracteriza por la mezcla de jazz contemporáneo con estilos procedentes de diferentes partes del mundo ya sea India, Vietnam o Norte de Africa. Empezó en el 83 con un grupo afro-caribeño denominado Ultramaribe y ha formado parte de varias orquestas como la WDR Big Band. Paolo Fresu, Huong Thanh, Peter Erskine, Terry Lyne Carrington o Merc Johnson, son algunos de los músicos que aparecen en su "Signature Edition", serie con identidad propia y desbordante creatividad, que recomendamos desde Vivejazz.

"A Tribute To Ray Charles" / Maceo Parker /DVD

2010-04-30T17:23:00.000+02:00

Somos muchos y en todo el mundo los que disfrutamos con la gira en la que el saxofonista Maceo Parker, acompañado por la WDR Big Band de Colonia, realizaba un sentido homenaje a la figura de uno de los más importantes e influyentes talentos de la música del pasado siglo XX: Ray Charles. Maceo siempre ha tenido a Ray Charles como una de sus grandes referencias y, su sección de metal, formada por Hank Crawford, Leroy Cooper y "Fathead" Newman, sigue siendo hoy en dia motivo de admiración por parte del gran músico de Carolina del Norte.

Como sabéis, los conciertos de dicha gira estaban estructurados en dos partes: una dedicada a Ray Charles y, en la segunda, Maceo ofrecía su vertiente más funky, interpretando sus éxitos más importantes. A la primera, pertenece el repertorio de este DVD grabado en la localidad alemana de Leverkusen y en el que el excomponente de los JB Horns recrea algunas de las canciones inolvidables de Ray Charles como "Busted", "I Got A Woman", "Mary Anne", "Georgia On My Mind" 0 "Hallelujah I Love Her So". Michael Abene, el director de la WDR Big Band, ha realizado un trabajo sensacional junto a Maceo Parker para conseguir la excelencia en una gira extraordinaria a la que ahora podeis acceder mediante este DVD que Indigo Records distribuye en España.

"A Night In Monte Carlo" / Marcus Miller

2010-04-19T18:59:00.001+02:00

El bajista Marcus Miller es uno de los pocos músicos de jazz que ha logrado la unanimidad de crítica en torno a su estilo y convencido plenamente a varias generaciones de seguidores gracias a su versatilidad y virtuosismo, elevando al bajo a la categoría de instrumento protagonista. Espectacular en directo e inteligente a la hora de elegir repertorio para sus discos, Marcus se ha convertido en un músico imprescindible en el jazz actual, estilo que mezcla con soul, funky, pop o rock. Nacido en el barrio neoyorkino de Brooklin el 59, se decidió por el bajo a los 13 años, después de haber tocado también clarinete y piano. A los 15 años, ya tocaba con regularidad en diferentes grupos de New York. Tras ese primer periodo como amateur, empezó a colaborar como músico de sesión con Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington, Bob James y David Sanborn, para unirse posteriormente a la banda de su admirado Miles Davis, en la que permaneció durante dos años. Como excelente productor y compositor , Marcus Miller obtuvo su primer gran éxirto con "Voyeur" para David Sanborn (80). Su amistad y afinidad musical con el saxofonista, le llevó a continuar produciendo álbumes extraordinarios como "Close Up", "Upfront" e "Inside". Ya en el 86, produjo para Miles su álbum "Tutu", disco clave en la historia del jazz electrónico.

El nuevo disco de Marcus Miller está grabado en directo en compañía de la Orquesta Filarmónica de Monte Carlo e incluye colaboraciones del trompetista Roy Hargrove y el cantante y compositor Raul Midón, también del baterista Poogie Bell y hasta Herfbie Hancock tocando el piano en "Strange Fruit" ( Billie Holiday). A parte de este tema, abre su concierto con "Blast!", uno de sus grandes éxios, continúa con "So What" de Miles, recrea clásicos del jazz como "I Love You Porgy" (Gershwin) y "I'm Glad There Is You ( Jimmy Dorsey) e interpreta, a modo de medley, "O Mio Bambino Caro" de Puccini con"Mais Que Nada" de Jorge Ben.

"Eleanora Fagan" / Dee Dee Bridgwater

2010-04-18T17:55:00.001+02:00

Desde su fallecimiento en el 59, han sido numerosos los homenajes, tributos y reconocimientos a la figura de la gran Eleanora Fagan, nombre de pila de Billie Holiday, también conocida como Lady Day, la gran figura del jazz vocal desde que este estilo irrumpiera hace más de un siglo. Admirada por todos los amantes del buen jazz y referencia obligada para cualquier buena cantante que se precie, su repertorio musical sigue siendo una fuente inagotable a la que acuden solistas de cualquier estilo y condición.

Dee Dee Bridwater, que ya en el pasado interpretó en teatro a Billie Holiday en el musical "Lady Day", en Paris y Londres, es una de las "divas" actuales que mejor puede cantar los temas de Billie Holiday. Primero por su energía, pasión e improvisación interpretativa. En segundo lugar, por que Dee Dee es una habitual de los "standards" del jazz, aunque siempre aportando originalidad. Añadiría, en tercer lugar, su capacidad de actualizar y modernizar temas clásicos. Estos tres aspectos, configuran su disco "Eleanora Fagan", un repaso absolutamente genial de algunos de los éxitos de Billie Holiday. temas como "Lady Sings The Blues", "All Of Me", "Good Morning Heartache", "Lover Man" o "Strange Fruit", considerada por la revista TIME en el 99 como la mejor canción del siglo XX.

Para este proyecto, Dee Dee Bridgwater está acompañada por lo que ella define como su "banda soñada" y no le falta razón. Son músicos que admiran el contexto clásico e interpretarlo en clave actual. Edsel Gómez al piano, Christian McBride tocando el bajo, Lewis Nash a la batería y el saxofonista James Carter, son el complemento ideal para una Dee Dee Bridwater absolutamente pletórica y en la cúspide de su carrera.

"Highly Classified" / The Blue Lou And Misha Project

2010-04-13T19:00:00.001+02:00

Hay músicos malos, regulares, buenos, muy buenos y Lou Marini. Este saxofonista, compositor y arreglista, componente de The Blues Brothers Band y otros mil proyectos en solitario y en grupo, no para de asombrarnos y deleitarnos tanto en disco como en directo. Recientemente, le hemos seguido en conciertos junto a Redhouse, una formación española pintiparada para el desarrollo de las influencias blues y soul que atesora el gran músico de Ohio, componente de bandas legendarias como Blood, Sweat And Tears y acompañante de lujo de james Taylor, Steely Dan, Frank Zappa, Aerosmith, Deodato o Buddy Rich Big Band. Una de las características más acusadas de Lou Marini es su adaptabilidad a diferentes estilos musicales, pero siempre desde el lado más soul, haciendo recordar a grandes instrumentistas como King Curtis o Junior Walker, dos de los maestros de este estilo.

Marini es algo especial y, para él, la música no tiene secretos. Le gusta rodearse de compañeros que sientan musicalmente como él, disfruta tocando el saxo alto o tenor y siempre antepone la calidad, el prestigio y la amistad a cualquier otro condicionante de tipo comercial. El otro músico que firma "Highly Classified" es el pianista Misha, también compositor y director de formación clásica. En este disco, puedes disfrutar del jazz contemporáneo con mayúsculas, concebido sin cánones estrictos y en el que te puedes encontrar sorpresas en algunos temas rapeados. De este mismo proyecto, participan otros músicos sobresalientes como John Tropea (guitarra), Anthony Jackson (bajo), o Luis Conte (percusión).

"Revolution 69" / Tok Tok Tok

2010-03-31T12:40:00.005+02:00

La cantante nigeriana Tokumbo Akimro y el músico Morten Klein, la base de Tok Tok Tok, vuelven con un sentido homenaje a la música de The Beatles en "Revolution 69". De esta forma y después de una etapa en la que han primado sus propias composiciones, este nuevo disco recupera la habilidad de este grupo alemán a la hora de abordar inteligentes versiones con identidad "casi" propia, una faceta que agradecerán los muchos seguidores que empezaron a conocerles a través de temas como “Hallelujah” (Ray Charles), “50 Ways To Leave You Lover (Paul Simon), “The Weight” (The Band), “I Wish” (Stevie Wonder), “Day Tripper” (The Beatles), “Monkey See, Monkey Do” (Michael Franks), “Alone Again” (Gilbert O’Sullivan) o "Boogie Woogie Bossa Nova" (Eddie Harris).

Tok Tok Tok es un grupo consolidado en Europa y, por fin, se han dado cuenta de que con sus propias canciones no llegan ni de largo a unas audiencias tan amplias como cuando interpretan sus "originales" versiones de temas clásicos en discos y conciertos. Hacer simultáneas estas dos opciones, proporcionando debidamente lo que gusta a su público con sus ideas propias, creo que debe ser una prioridad para este grupo, muy bien valorado en España gracias, en buena medida, a los conciertos exclusivos que con ellos realizamos en Area Reservada.

En "Revolution 69", Tok Tok Tok incluyen parte del repertorio "beatle" desde el alejamiento de la estructura de los originales, ofreciendo una visión muy particular y distinta a otros proyectos de similares características. El "sonido" habitual del grupo permanece a lo largo de todos los temas, siempre con la frescura característica de Tokumbo a la hora de interpretar y los brillantes arreglos de Morten en el aspecto instrumental.

"It's Only Love" / Tania Maria

2010-03-31T11:21:00.001+02:00

Original, vibrante, polifacética y auténtica "reina" de la música brasileña, Tania Maria es una de las artistas más completas de un pais que desborda música por sus cuatro puntos cardinales. Cantante, compositora, gran pianista y, por encima de todo, artista con mayúsculas, ha sabido exportar su estilo por todo el mundo y se ha ganado, desde sus comienzos profesionales en los primeros 70', el reconocimiento de una legión de admiradores por todo el mundo. Cantando en portugués e inglés, Tania María ofrece en su música una variedad de estilos a la que dificilmente pueden llegar otros artistas brasileños: del suave ritmo marcado de la bossa nova a la "agilidad" rítmica del samba, del pop al jazz, del soul al funky, de las influencias latinas a las africanas y, todo ello, desarrollado con originalidad y autenticidad.

Tania María nació en San Luis (noroeste de Brasil) el 9 de Mayo del 48. A los 7 años ya tocaba el piano y a los 13, se enroló en un grupo al que también pertenecía su padre. Inició estudios de derecho, carrera que abandonó para dedicarse de lleno a la música y grabar "Olha Quem Chega", su primer disco en el 71 con el sello Warner y el comienzo de una carrera profesional que abarca, hasta la fecha, más de 25 discos y acumula miles de kilómetros en sus interminables giras por todo el mundo. Títulos como "Come With Me" (82) "Made In New York" (85) o "Lady From Brazil" (92) todavía permanecen en los oidos de sus incondicionales. A mediados de los 70', Tania María trasladó su residencia a Paris, lugar en el que reside actualmente.

"It's Only Love", el disco al que nos referimos, su novedad más reciente, es una grabación en directo junto a la Frankfurt Radio Bigband, ofreciendo cobertura sinfónica a su peculiar manera de interpretar. La grabación, de gran calidad acústica, se realizó en Febrero de 2007 y el repertorio viene marcado por algunos de sus éxitos más notables y entre los que se encuentran "Come With Me", "Confusion", "It's Only Love", "Voleu", etc.

"Truth Be Told" / Mark Egan

2010-03-29T10:44:00.008+02:00

No es un bajista de "músculo" y se sale del prototipo actual de músico "egoista". Gran compositor, creativo y con grandes ideas, Mark Egan destaca por su calidad, sabiendo asumir el liderazgo dentro de su grupo pero sin "hacer ruido". A la hora de trabajar sus discos, le gusta hacerlo con músicos que van en su misma dirección y "Truth Be Told", su nuevo proyecto, está orientado hacia un modelo de jazz contemporáneo en el que fluyen nuevas fórmulas interpretativas.

Mark Egan (Brockton, Massachusetts 1951) inició su actividad musical con sólo 10 años tocando primero la trompeta en grupos locales de R&B y, posteriormente, a los 16, cambiando al bajo eléctrico debido a la influencia de la música rock del momento (Jimi Hendrix, Cream, Beatles o Motown). En la Miami School Of Music, llegó a recibir lecciones de Jaco Pastorius y formó su propia banda en la que estaban el teclista Clifford Carter y el guitarrista Hiram Bullock. Es Pat Metheny quien, en esta escuela, se da cuenta del talento de Mark Egan, pasando a formar parte de su grupo hasta 1980. Posteriormente y junto al baterista Danny Gottlieb, fundan el grupo Elements, una de las bandas referencia del mejor jazz contemporáneo. A mediados de los 80', Mark Egan edita su primer disco "Mosaic" y, desde entonces, ha hecho simultáneos sus propios proyectos y sus colaboraciones puntuales con artistas siempre de gran nivel (Marianne Faithfull, Bill Evans, Pat Metheny, Sting, Roger Daltry, David Sanborn o Gil Evans Orchestra). El sonido de su bajo fretless (sin trastes) es único en el ámbito del jazz de vanguardia.

Seis discos en solitario, diez álbumes con Elements y dos con Pat Metheny Group son el aval de una excelente discografía marcada por la calidad de su música y su original estilo. "Truth Be Told" es un disco realizado en cuarteto en el que Bill Evans (saxo), Vinnie Ciolaiuta (batería) y Mitch Forman (teclados) son el complemento ideal para la forma de tocar y entender la música por parte de Mark Egan.

"Rockin' In Rhythm" / John Pizzarelli

2010-03-17T17:01:00.001+01:00

Pocos cantantes y músicos estadounidenses saben interpretar tan bien y con solvencia la música de la Golden Era como John Pizzarelli y, además, hacerlo con el debido respeto a esa época y perspectiva contemporánea. Por otro lado, para él no es novedad realizar álbumes temáticos ya que a lo largo de su discografía, tenemos ejemplos como el disco-tributo a The Beatles, otro sobre Frank Sinatra y el dedicado a la bossa nova. Hijo del gran guitarrista Bucky Pizzarelli, John es un acérrimo seguidor de su padre quien, por cierto, ha colaborado en muchos de sus discos y también en el reciente "Rockin In Rhythm", homenaje a Duke Ellington, uno de los compositores más importantes e influyentes de la historia del jazz.

En este nuevo disco, John Pizzarelli ofrece, como siempre, su visión particular de algunas de las composiciones más celebradas de Sir Duke, primera referencia de su padre cuando era joven. Combinando temas vocales e instrumentales, Pizzarelli destaca por los minuciosos y cuidados arreglos que hace de los doce temas de "Rockin' In Rhythm", en compañía de Don Sebesky, el músico encargado de los arreglos de viento, cobertura "swing" a su trio habitual al lo largo de los últimos cuatro años, formado por Larry Fuller (piano), Martin Pizzarelli (bajo) y Tony Tedesco (batería).

El álbum incluye "Satin Doll", "In A Mellow Tone", "C Jam Blues" o "I Got It Bad And That Ain't Good", entre otros clásicos del repertorio de Duke Ellington. La "sorpresa" del disco, es la interpretación de "Perdido", tema que el compositor Gerald Wilson arregló para ser interpretado por Duke Ellington y, en esta ocasión, cantado por Kurt Elling y Jessica Molaskey, esposa de John Pizzarelli.

"Free At First" / Adam Glasser

2010-03-04T16:13:00.008+01:00

La armónica no es uno de los instrumentos más habituales dentro del mundo del jazz, pero cada vez que algún músico la incorpora a este estilo, siempre ofrece nuevas posibilidades interpretativas. Hace muchos años que el "monopolio" de la armónica en el jazz ha tenido y tiene a Toots Thielemans como su figura más incuestionable. Esto no quiere decir que no haya otros músicos interesantes aunque no tan conocidos. Este es el caso del sudafricano Adam Glasser, todo un prodigio de harmonicista tras haber colaborado con Joe Zawinul, Sting, London Philarmonic Orchestra, Incognito, Eurythmics, Hugh Masekela, etc.

"Free At First" es una propuesta en toda regla de la armónica como instrumento protagonista de su cuidado lenguaje jazzístico, en el que Glasser revisa algunos clásicos del jazz de célebres compositores como Irving Berlin o Thelonious Monk, temas standards como "How Deep Is The Ocean" y "On Green Dolphin Street", junto a otros de carácter más contemporáneo como "Maos De AFeto" (Ivan Lyns) y sus propias composiciones de entre las que destacan las referidas a su tierra natal sudafricana. La naturalidad con la que Adam Glasser se "mueve" en estilos y temáticas tan diversas, es una de las características más interesantes de este disco que se grabó el año 2008 y que ahora edita en España el sello Karonte.

Músicos británicos y sudafricanos, acompañan a Glasser en "Free At First": Robin Aspland (piano), Steve Watts y Andy Hammill (bajo), Tristan Mailliot (batería), el veterano cantante sudafricano Pinise Saul, la cantante Anita Wardell y el narrador David Serame.

"A Good Thing" / Gino Vannelli

2010-02-24T20:30:00.006+01:00

Somos muchos los que, desde los 70', admiramos a Gino Vannelli por su instransferible forma de interpretar y componer. A lo largo de su discografía, hay álbumes que me siguen pareciendo referencia de la mejor música que se ha hecho en las cuatro últimas décadas. Es el caso de "Powerful People", "Brother To Brother", "Storm At Sunup", The Ghist Of The Gemini"o "Nightwalker. Gino siempre pudo ser, especialmente a partir del tema "I Just Wanna Stop", un baladista de éxito fácil y, en cambio, siempre ha preferido refugiarse en un tipo de música que escapa al convencionalismo y la comercialidad. Su aspecto de "latin lover" a veces ha tenido consecuencias negativas para su música y, sus detractores, han preferido quedarse simplemente en su imagen sin ahondar en sus grandes cualidades como cantante, compositor y productor. Gino en los discos anteriormente citados, había incorporado a sus dos hermanos Ross y Joe. El primero es un excelente compositor y el segundo fue ese músico que, desde el aninimato, fue reponsable de la coherencia musical que Gino ha mantenido en sus discos de los 70' y 80'.

Para su etapa de madurez y sin sus hermanos, Gino ha preferido Europa y concretamente Holanda para su nuevo proyecto titulado "A Good Thing", un disco libro que incorpora nueve temas musicales inéditos y 23 poemas rcogidos en un pequeño libro. Con su nuevo grupo holandés al que se incorpora el gran guitarrista Allen Hinds, logra destapar su "tarro de las esencias" hasta los límites de aquella gran música de hace más de treinta años. Se mantiene el carácter íntimo de sus composiciones, instrumentalmente el disco es rico en matices jazzísticos, caso por ejemplo del tema "A Good Thing" y logra definitivamente deleitar a sus incondicionales, entre los que me encuentro. Gino canta en función de los músicos que tiene detrás, les deja "gustarse" y les arropa con su poderosa voz. Hay muchos temas que, seguro, te harán recordar su estilo de décadas atrás, caso de "This Day On" o "The Measure Of A Man", teme con un cierto toque latino que conecta con algunos de sus clásicos como "The Evil Eye" o "Nightwalker".

"The Measure Of A Man" / Gino Vannelli

"Palindrome" / "Drum And Voice 3" / Billy Cobham

2010-02-22T19:07:00.006+01:00

Es la primera vez que en Vivejazz tenemos que significar la edición de dos discos de un mismo músico al mismo tiempo. Billy Cobham, al que considero uno de los tres mejores bateristas del mundo, ha sido capaz de realizar al mismo tiempo "Palindrome" y "Drum And Voice 3", dos proyectos con planteamientos y propuestas distintas y, eso sí, con la calidad de un músico cuyo concepto de jazz acoge una diversidad de estilos que solo él sabe fusionar para ofrecer siempre un producto asimilable, atractivo y con esos ritmos en los que rock y jazz se mezclan como él solo sabe hacer.

"Palindrome" es una actualización de algunios temas de su anterior y extensa discografía, mezclados con otros nuevos creados especificamente para este disco. Es un álbum totalmente instrumental que nos devuelve al Billy Cobham de los 70' y 80', en pleno auge de la "fusión", de su estapa en el sello CTI y en el que participan algunos músicos de entre los incontables que han colaborado con él en el pasado. El disco arranca con "Moon Germs", una de las joyas de su álbum "Total Eclipse" (75) y continúa revisando algunos de sus clásicos como "Two For Juan", perteneciente al inolvidable "Picture This" del 87, tocando los steeel pan con ese sonido tropical característico. Sensacional la interpretación de "Mirage" del álbum "Focused" del 97, lo cito porque me ha gustado especialmente y "Palyndrome" se completa con tres temas nuevos.

"Drum And Voice 3" establece el equilibrio entre calidad y comercialidad. Por tercera vez en pocos años, Billy Cobham se ha ido a Italia, concretamente a Milán, para grabar junto a los hermanos Nicolosi, artisticamente conocidos como Novecento, músicos que saben sacarle al gran baterista todo el partido posible en cuanto a la consecución de una música marcada por la espectacularidad y el lujo en todos los sentidos posibles. Se trata, como en los dos discos anteriores, de lograr una base instrumental que define el disco y, luego, ir incorporando un número considerable de invitados que se identifiquen con ese sonido. En el caso de "Drum And Voice 3", artistas y músicos como John Scofield, Chaka Khan, Gino Vannelli, George Duke, Bob Mintzer o Brian Auger, entre otros y junto a Novecento, consiguen la difícil tarea de llegar a grandes audiencias desde un proyecto coherente y sin ceder en cuanto a calidad se refiere.

"Your Songs" / Harry Connick Jr.

2010-02-16T18:33:00.001+01:00

A Harry Connick Jr. podemos considerarle el último eslabón de una cadena de "crooners" influidos por Frank Sinatra, aproximándose al jazz a través del swing. Son muchos los cantantes que en la actualidad siguen esta tendencia, pero dejando mucho que desear en cuanto a su base y conocimientos musicales. En el caso de Harry sucede todo lo contrario. Nacido en Nueva Orleans en el 67, su carrera, cuando era un niño, empezó en el jazz más tradicional teniendo a Louis Armstrong, el gran ídolo de su ciudad, como referencia más cercana. Sus padres, abogados de profesión, fueron propietarios de una tienda de discos, lo que incrementó, si cabe, la afición de Harry por la música en general y el jazz en particular. Siempre ha sido un cantante de jazz, bajo el influjo del pop y su gran calidad como músico y pianista, le ha permitido ejercer de brillante arreglista y director de orquesta.

Los discos de Harry Connick, desde su primer éxito del 89 con la BSO de "When Harry Met Sally", se han caracterizado por el equilibrio entre calidad y comercialidad, siempre elegante cantando, virtuoso tocando el piano y brillante a la hora de interpretar en directo. "Your Songs", su nuevo disco, aglutina una serie de temas, conocidos de todos y sobre los que Connick a realizado unos arreglos en los que se desmarca claramente de los originales. Las canciones, estándares tanto del jazz como del pop, pertenecen a autores y épocas diversas.

Precisamente esa forma de arreglar, es lo que más me ha convencido del nuevo disco de Harry Connick. Puedes escuchar de todo, pero bien hecho, desde "Just The Way You Are" (Billy Joel) a "And I Love Her" (The Beatles), de "Close To You" (Bucharach) a "Can't Help Falling In Love" (Presley) y temas clásicos como "Mona Lisa", "Smile" o "Bésame Mucho".

"Orchestrion" / Pat Metheny

2010-02-08T17:52:00.009+01:00

Desde su irrupción a mediados de los 70', el guitarrista Pat Metheny ha sido uno de los músicos más eficaces e ingeniosos a la hora de aplicar las nuevas tecnologías en su redefinición contínua del estilo "jazz guitar". A sus 55 años y cuando ya ha entrado en la historia de la música en general y del jazz en particular, Pat sigue innovando en plena madurez y demostrando que su tensión creativa se mantiene al nivel más alto que un músico pueda imaginar. Muchos seguidores prefieren a Metheny con grupo, otros cuando graba o actúa en solitario. Ahora habrá una "tercera versión" de su música. La que realiza con un número considerable de instrumentos que tocan solos. Las "Orchestrion", nos remontan a finales del siglo diecinueve y principios del veinte. Eran auténticas "máquinas" de interpretar música, de sonar como una orquesta o banda y que, en aquellos años, se controlaban de manera mecánica y, hoy en día, con las facilidades que proporcionan los nuevos recursos tecnológicos.

Durante años, Pat Metheny ha venido trabajando en este nuevo proyecto, ayudado por un grupo de técnicos capaces de construir una gran "paleta" de instrumentos acústicos y electroacústicos que suenan a las "órdenes" de la robótica y, por su puesto, de la guitarra de Pat Metheny. Este nuevo concepto de música diseñada fundamentalmente para ser interpretada en directo, marca un nuevo rumbo a la interpretación en solitario y vuelve a poner de manifiesto la inquietud y el talento de Pat Metheny, el músico más inconformista y menos rutinario de la escena del jazz mundial.

"Orchestrion" EPK / Pat Metheny

"Take To The Sky" / Kat Edmonson

2010-02-01T16:29:00.003+01:00

La evolución del jazz en las últimas décadas, ha estado marcada por la ausencia de cánones estrictos que condicionaban el techo de audiencia de un estilo en el que había primado lo "musicalmente correcto" por encima de la interacción con otros elementos musicales. Inmersos de lleno en esta nueva dinámica, el jazz ha tenido que asumir tanto a cantantes y músicos que han buscado una "salida" fácil a un producto musical de dudosa inclusión bajo el paraguas de este epígrafe (jazz), como aquellos otros que han intentado, con el debido respeto al más de un siglo de historia del jazz, mezclar elementos clásicos y modernos para acceder a audiencias que mantienen posturas y gustos musicales muy distantes a sus formas musicales tradicionales.

Cassandra Wilson es un ejemplo de como orientar su música sobre la base de estos dos planos, clásico y moderno. Sin querer comparar, la joven cantante tejana Kat Edmonson también consigue la dualidad de Cassandra, pero con un timbre de voz totalmente distinto. Podemos definir su estilo como el punto intermedio entre las grandes divas del jazz y Björk. Su primer disco "Take To The Sky", descubre todos los encantos interpretativos de esta cantante que ya es una de las nuevas estrellas del jazz americano.

La versión de "Starting Over", el tema de John Lenon es todo un prodigio de como un tema clásico del pop se puede trasladar al jazz. En su meteórica carrera, es fundamental el buen grupo que le acompaña, destacando al pianista Kevin Lovejoy. "Charade" (Mercer), "Night And Day" (Porter), "Lovefool" (The Cardigans) o "Just Like Heaven" (The Cure), son algunas de las "piezas" que Kat Edmonson interpreta de manera sublime y siempre haciendo de lo moderno algo más clásico y de lo actual algo más ortodoxo, del jazz al pop y del pop al jazz, pero con gusto y bien hecho.

"Echo" / Alyssa Graham

2010-01-22T16:25:00.006+01:00

Su maravillosa voz le permite interpretar "America", el legendario tema de Paul Simon, o "Involved Again" del compositor Jack Reardon. La cantante y compositora Alyssa Grahan inició su carrera discográfica en 2005 con "What Love Is", un primer disco que, ese mismo año, fue galardonado por publicaciones como Jazziz o All About Jazz. No es una cantante de jazz al uso y en su estilo y manera de cantar, hay numerosas influencias étnicas que te llevan a diferentes lugares del mundo como Europa, India, Africa o Brazil, continentes y paises que ella ha visitado a partir de 2006, cuando "Echo" empezó a fraguarse.

Jazz, folk y sonidos brasileños son la base estilística de este nuevo álbum de Alyssa en el que Jon Cowherd, productor de Brian Blade y Lizz Wright ha realizado un extraordinario trabajo de coherencia musical. Jon toca también el piano en "Echo" y, a su lado y entre otros, intervienen el percusionista Jeff Haynes y el gran guitarrista y uno de los músicos preferidos de George Duke, Romero Lubambo.

De entre los temas, hay una historia muy curiosa en torno a "Involved Again", una canción que el compositor Jack Reardon escribió para que la interpretase Billie Holiday. Al fallecer la gran diva del jazz en el 59, "Involved Again" permaneció 50 años inédita hasta que su creador, cautivado por la voz de Alyssa, decidió que ella era la destinataria de ese "legado" reservado en su día para la "gran" Holiday. "America " de P. Simon, "Pictures Of You" y "Butterflies", genial la guitarra de Romero, son tres temas de gran calidad en este segundo disco de Alyssa Graham.

Fallece Teddy Pendergrass

2010-01-14T18:19:00.011+01:00

La noticia ha causado gran conmoción entre sus numerosos seguidores que, desde los 70', le hemos admirado primero como baterista y, posteriormente, como cantante del grupo Harold Melvin & The Blue Notes, banda que protagonizó numerosos éxitos en el entorno de aquel movimiento soul de la segunda mitad de la década de los 70' y primeros 80' llamado Philadelphia Sound. Teddy Pendergrass ha fallecido a los 59 años, víctima de un cáncer de colon, del que se había sometido a cirugía hace ocho meses.

Baladista soul por antonomasia, Teddy protagonizó con su grupo temas inolvidables como "If You Don´t Me By Now" o "The Love I Lost". Una vez que abandonó al grupo ya en los ochenta, inició una carrera en solitario llena de éxitos y fué, junto a Peabo Bryson y Luther Vandross, la voz referencia dentro del soul masculino. Uno recuerda, haciendo Selección 15, baladas como "Love TKO", " Turn Off The Lights", "Close The Door" o el central de la pelicula "Choose Me" titulado "You're My Choice Tonight".

En el año 82, un accidente de tráfico le dejó paralítico de cintura para abajo, iniciando un acusado declive en su magnífica trayectoria. En 1985, muchos le recordareis actuando en silla de ruedas en el concierto Live Aid. En 1998, fundó la Teddy Pendergrass Alliance, para ayudar a discapacitados por lesiones de médula espinal. Gracias Teddy por habernos hecho más felices con tu música. Tus amigos de Vivejazz no te olvidaremos nunca.

"If The Rains Come First" / Somi

2010-01-09T23:03:00.007+01:00

En el post anterior, comentamos algunas de las características del sello Obliqsound a la hora de ofrecer un catálogo en el que vais a poder descubrir nuevos e interesantes artistas como Gretchen Parlato, Michael Olatuja o esta carismática cantante y compositora de Illinois llamada Somi. Hija de emigrantes africanos de Ruanda y Uganda, Somi canta en Inglés y en otros tres idiomas del este de Africa y sus influencias son Miriam Makeba, Cassandra Wilson, Cesaria Evora, Nina Simone y Sarah Vaughn, aunque yo citaría también, tanto por el dulce tono de su voz y la cadencia de algunos temas de su disco, a la nigeriana Sade.

Somi ha tenido como mentor al trompetista Hugh Masekela e "If The Rains Come First" es su tercer álbum. En su reciente pasado, Somi ha colaborado con Paul Simon, John Legend, Mos Def o Cassandra Wilson . Fundadora del New African Live, Somi participa de este movimiento artístico multidisciplinar al que pertenecen los jóvenes artistas africanos que residen en Estados Unidos.

El álbum abre con "Hot Blue", tema en el que, yo creo, se puede apreciar la influencia de Sade en su manera de cantar. Su música refleja el legado del jazz africano contemporáneo, predominando las percusiones dentro de una estructura instrumental con elementos del new jazz americano. Elegante y con mucho talento, Somi atrae tanto por la sencillez a la hora de interpretar, como por la calidad de sus composiciones y la consistencia de su grupo. Es difícil poder destacar temas concretos en un disco tan sólido, de todas maneras, citaré "Wallflower Blues", "Changing Inspiration" o "Enganjyani", este último junto a Hugh Masekela, como algunos de los que más me han gustado en una primera audición del disco.

"Speak" / MIchael Olatuja

2010-01-09T17:01:00.002+01:00

Hay sellos discográficos que no sólo son una "máquina" de edición de discos y cuyas pretensiones van más allá de una simple relación de marketing con sus artistas. Este es el caso de Obliqsound, una firma que hemos empezado a conocer a través del álbum "In A Dream" de Gretchen Parlato y que nos ha causado la más grata de las sensaciones con sus nuevos discos.

Michael Olatuja es un sensacional bajista de sangre anglo-nigeriano cuyo disco "Speak" es un prodigio de fusión de soul, funky y jazz junto a estilos y ritmos procedentes de Africa. Todo ello mezclado, engancha desde el primer al último de los temas del disco. En el pasado, Olatuja, de 29 años, ha participado en grabaciones o conciertos de Terence Blanchard, Stevie Wonder, Chaka Khan o Patti Austin y "Speak", su primer álbum, está repleto de sensaciones "groove" junto a la electrónica como complemento. El resultado seguro que te va ha sorprender por la originalidad demostrada por este bajista, compositor y productor, para el que la música significa el idioma más universal, porque es el que todos podemos hablar.

En "Speak" intervienen varios/as vocalistas que demuestran el gran potencial de música que tiene el continente africano. Destaco a Eska Mtungwazi, Onaje Jefferson o su mujer Alicia Olatuja. De entre los que seguro conoces, están Lynden David Hall, célenre por aquel "Sexy Cinderella" de los 90' y Andrew Roachford.

"Vattensaga" / Tingvall Trio

2009-12-16T19:50:00.010+01:00

Tras "Skagerrak" y "Norr", Tingvall Trio finalizan su trilogía de historias nórdicas con "Vattensaga", grabado en los Estudios Artesuono, famosos por haber acogido muchas de las grabaciones del sello ECM. Este grupo que se formó en Hamburgo el año 2003, está compuesto por tres músicos de tres nacionalidades distintas. El fundador de la banda es Martin Tingvall, gran pianista, compositor y productor. A él pertenecen todas los temas del trío y es quien marca la línea más lírica y melódica en Tingvall Trio. El bajista cubano Omar Rodríguez Calvo y el baterista alemán Jürgen Spiegel completan la formación.

En Tingvall Trio predominan las influencias del folk nórdico aplicadas a un nuevo concepto de jazz, dos estilos musicales que a primera vista pueden parecer distantes y que mezclan con extraordinario talento y originalidad, concibiendo los temas sobre la base de un sonido homogéneo, cálido y sin fisuras. La verdad es que escuchar su música es una auténtica delicia para los oidos. En varias ocasiones, a lo largo de su nuevo disco, ese concepto de jazz nórdico funde con otros estilos más cercanos al sur de Europa.

Otra de las características de Tingvall Trio es su gran "directo", detalle que no pasa inadvertido para aquellos que asisten a sus conciertos, repletos de seguidores muy jóvenes que han descubierto en su música una nueva vía de expansión y evolución para el jazz contemporáneo europeo.

"Movie" / Skagerrak (álbum de 2005)

"True Love" / Ida Sand

2009-12-15T15:58:00.008+01:00

Empecé a escucharla en su penúltimo disco "Meet Me Around Midnight" y me gustó la multiplicidad de estilos que abarca Ida Sand. De "Higher Ground" (Stevie Wonder) a "Here Comes The Rain Again" (Eurythmics), de "Bang Bang"(Sonny & Cher) a "Use Me" (Bill Withers), la cantante, pianista y compositora sueca, supo mantener el tipo aportando sutiles matices distintos a los originales impregnados de jazz contemporáneo. En este primer disco para el sello ACT, colaboró el trombonista Nils Landgren, sin duda uno de los mejores músicos europeos.

En "True Love", todo queda en casa. Ida Sand ha confiado a su marido, el guitarrista Ola Gustafson, la coproducción de un disco en el que casi todos los temas destilan pop, soul blanco o jazz. Ola es uno de los guitarristas suecos con más talento en el campo del pop rock y su calidad le ha llevado a tocar con Elvis Costello en alguna ocasión. Este nuevo álbum de Ida se caracteriza por los contrastes en cuanto a repertorio que no en cuanto a sonido. Abre con "Ventura Highway" del grupo America y sigue con otros grandes éxitos de la década de los 70 como "The Weight" (The Band), "Heart Of Gold" (Neil Young) o "Redemption Song" (Bob Marley). Ida Sand compone cuatro temas en "True Love", demostrando también sus grandes cualidades como compositora.

En su pais la comparan con Lizz Wright o Norah Jones y realmente tiene poco que ver con cualquiera de las dos. El jazz contemporáneo europeo pasa por un buen momento y Ida Sand, 32 años, es un ejemplo de como se puede hacer buena música en este contexto. Sobriedad, elegancia y gusto son algunas de sus señas de identidad.

"Metropolitain" / Kyle Eastwood

2009-12-03T13:12:00.004+01:00

Muchas veces me he preguntado si Clint Eastwood es cineasta porque no ha podido ser músico. Lo cuidado de sus bandas sonoras y el interés que siempre ha demostrado por la buena música, me lleva a pensar en una vocación frustrada por su parte. Kyle Eastwood, su hijo mayor, bajista y compositor, creo que ha significado para él una prolongación activa de su pasión por la música, alguien en quien depositar el gran caudal de conocimientos que posee Clint. Poco a poco, Kyle (41 años), ha ido progresando como músico y hoy en dia podemos decir, sin temor a equivocarnos, que estamos ante un compositor y músico de primer nivel. Para los que le seguimos desde hace muchos años, no es ninguna sorpresa. Ya en el 98 y en Area Reservada, su primer disco para Sony "From There To Here", sobresalió con aquella genial versión del clásico de Timmy Thomas "Why Can't We Live Together" y, posteriormente, con otros sensacionales discos como fueron "Paris Blue" y "Now", grabados en el sello Rendezvous.

"Metropolitain", el nuevo álbum de Kyle, sigue la línea conceptual de sus anteriores discos. Sonidos que parten del jazz contemporáneo y que pueden acercarse en cualquier momento al pop, la electrónica o el groove. Todo ello, sin buscar el oportunismo de una efímera comercialidad y quedándote, una vez que has escuchado todo el CD, una sensación de haber oido una banda sonora de gran calidad. Melvin Davis, también de apellido famoso e hijo de Miles, ha producido "Metropolitain", su tercer disco para el sello Candid, discográfica a la que le cupo la satisfacción de haber descubierto a Jamie Cullum.

Junto a Kyle, en "Metropolitain" colaboran los músicos Eric Legnini (piano), Till Brönner (trompeta), Manu Katché (batería y percusión) y la cantante francesa Camille.

"Absolute Ensamble" / Joe Zawinul

2009-11-30T20:25:00.003+01:00

La historia del jazz contemporáneo no se podría explicar sin la enorme aportación de un músico vienés que supo cambiar el rumbo de este estilo, configurando un estilo más amplio y rico musicalmente hablando. Joe Zawinul falleció el 11 de septiembre de 2007, pero hasta el último dia de su vida, trabajó de manera incansable en la realización de este disco titulado "Absolute Ensamble", fruto de la colaboración con el músico estonio Kristjan Järvi. Cuenta éste que, dos dias antes de fallecer, Zawinul le llamó para interesarse por una de las composiciones que iban a ser incluidas en el disco. Como tuve la oportunidad de realizar en 2006 una de sus últimas entrevistas, puedo hablar bien alto del carácter humilde de este genio de la música de nuestro tiempo. Me hablaba como si todo lo que hizo hubiese sido fácil, de cómo comparaba desde su Viena natal, las migraciones de pájaros con los músicos que soñaban con "volar" a Estados Unidos para tocar con los grandes ídolos del jazz. Este es el significado de "Birland", uno de los temas históricos del jazz con el que Zawinul consiguió, junto a Wayne Shorter en Weather Report, marcar un nuevo concepto de jazz, fusionado con rock, electrónica o world music.

El proyecto "Absolute Ensamble" empezó a fraguar en 2004 y cuajó tres años después, siendo el último disco grabado en estudio por Joe Zawinul. Su condición para la realización del proyecto fué incluir sus temas inéditos, aquellos que nunca habían sido registrados previamente, como "Sultan" o "The Great Empire". Apoyando, la Big Band Absolute Ensamble junto a algunos de los músicos de la Zawinul Syndicate, otro de los grandes proyectos de Joe Zawinul. El CD, incluye once minutos de video en los que se explica cómo se realizaron los ocho temas que incluye el disco.

"The Pursuit" / Jamie Cullum

2009-11-14T15:49:00.009+01:00

Tras cuatro álbumes editados y numerosos éxitos que le han colocado en el primer nivel del jazz-pop en todo el mundo, "The Pursuit" es el primer disco en cuatro años del Jamie Cullum, el cantante , pianista y compositor inglés que nos ha maravillado a todos por el desparpajo y atrevimiento a la hora de interpretar temas clásicos o actuales. Discos como "Pointless Nostalgic" (2002), "Twentysomething"(2003) o "Catching Tales" (2005), han consolidado a Jamie como un artista con la suficiente solvencia como para pensar que no estamos ante un fenómeno musical pasajero. A sus 30 años, convendría recordar que su primer disco "Heard It All Before" (2009) lo grabó gracias a un préstamo de su colegio y las 500 copias que se hicieron se pagan ahora a precio de oro.

Por otro lado, su "directo" ha ido ganando en espectacularidad y su voz de adolescente ha ido progresando hacia unos registros propios de un cantante de primer nivel. En "The Pursuit", Cullum refleja sus gustos musicales vengan de donde vengan. Su eclecticismo habitual se hace más patente, si cabe, en este nuevo disco en el que es capaz de mezclar sus propios temas, con otros de Cole Porter o Rihanna y, esos cuatro años de auencia, le han servido para realizar un trabajo en plan maratón y no con las prisas de un sprint. Músico de jazz y vocalista de pop, Jamie Cullum sorprende con "Don't Stop The Music", uno de los éxitos de Rhianna o con "Just One Of Those Things", tema de Porter con nueva introducción a cargo de Jamie y con la participación de la Orquesta de Count Basie. A mi, personalmente, lo que más me ha impresionado de este disco es la vertiente más pop en temas que me parecen extraordinarios:"The Music Is Through", creo que es un tema que aporta una estructura distinta a todo lo que hemos escuchado antes de Jamie y "I'm All Over It", con influencia de Elton John.

"In A Dream" / Gretchen Parlato

2009-11-05T17:52:00.003+01:00

Bendecida por grandes músicos como Wayne Shorter, Herbie Hancock o Terence Blanchard, nos encontramos con una de las voces más interesantes en el panorama del jazz actual. Gretchen Parlato, desde New York, se ha convertido en poco tiempo en una de las cantantes de moda a raiz de la edición de su segundo disco "In A Dream". El secreto de su éxito está en su cálida voz y en la naturalidad y frescura con la que aborda su música. No le hacen falta extraños "trucos" de estudio de grabación ni forzar su estilo para poder conseguir unos registros vocales llenos de sensibilidad y buen gusto.

Gretchen Parlato llegó a New York, procedente de Los Angeles en 2003. Hace cuatro años, editó su primer disco "Gretchen Parlato" y ahora "In A Dream", un híbrido entre sus propias canciones y otros temas de compositores como Shorter, Hancock, Ellington o Stevie Wonder. Para la ocasión, se ha rodeado de un grupo de músicos que logran una base instrumental idónea para su forma de interpretar: Lionel Loueke (guitarra), Aaron Parks (piano), Derrick Hodge (bajo) y Kendrick Scott (bateria). El disco abre con "I Can't Help It", aquel tema que Stevie Wonder compuso para Michael Jackson en "Of The Wall" y que está realizado en plan neo-bossanova.

Espléndida la versión de "Butterfly", el clásico de Herbie Hancock y "Doralice", una canción que tiempo atrás recuerdo en una extraordinaria versión de Joao Gilberto y Stan Getz. "ESP" es el tema de Wayne Shorter que Gretchen incluye en su nuevo disco, también con espítitu brasileño. En clave jazz actual, te recomiendo el tema de Ellington "Azure", contraste de voz y guitarra afrikana (Lionel Loueke). Para finalizar, te comento que hay algunas similitudes entre su música y la de Esperanza Spalding, con quien Gretchen ha colaborado recientemente.

"Emergence" / Roy Hargrove Big Band

2009-11-02T23:09:00.005+01:00

Roy Hargrove, nacido en Waco (Texas) en el 69, es un músico absolutamente genial. Su facilidad para orientar su música desde diversos ámbitos del jazz le ha valido el reconocimiento de la crítica más tradicionalista y, a la vez, ha conseguido "trabajarse" una audiencia joven a golpe de atrevidas fusiones de jazz con soul, funky o hip hop. Su proyecto "RH Factor" ha sido decisivo en la captación de esa nueva audiencia que supo valorar la presencia en el mismo de artistas como Erykah Badú, Common y D'Angelo, sin olvidarse, eso sí, de las influencias de "clásicos" como Miles Davis, Dizzy Gillespie, Clifford Brown o Freddie Hubbard.

"Emergence" es la consecución de un sueño habitual para la inmensa mayoría de músicos de jazz: poder grabar un disco junto a una poderosa big band. En el disco priman las baladas, temas marcados por el swing y un aparte muy especial dedicado a ritmos latinos, destacando la composición de Chucho Valdés "Mambo For Roy"y "La Puerta". tema de Luis Demetrio que Hargrove descubrió en uno de sus primeros viajes a Cuba y que está cantado en español por Roberta Gambarini, una de las voces más importantes en la actualidad. La balada "Everytime We Say Goodbye" (Cole Porter), también con Gambarini, refleja también el interés de Roy por clásicos poéticos y, en cuanto a swing, me gustaría destacar "Ms. Garvey", creación del saxofonista y flautista Jason Marshal, uno de los 19 músicos que forman parte de esta big band. El tema "Roy Allan" está dedicado a su padre e inspirado en Isaac Hayes, uno de los mitos del soul de los 70.

Roy Hargrove debutó en el 89 con "Diamond In The Rough" en el sello Novus. Cuatro años más tarde, firmó contrato con la firma Verve en la que ha venido grabando hasta el año pasado. Su penúltimo disco "Earfood" y el reciente "Emergence" marcan el inicio de una nueva etapa discográfica con la discográfica Emarcy.

"Dylan Different" / Ben Sidran

2009-10-30T13:54:00.014+01:00

Hay que ser muy valiente para atreverse con un proyecto sobre la obra de Bob Dylan. Ser respetuoso con una de las leyendas vivas más influyentes e importantes de la música de nuestro tiempo y, a la vez, ofrecer un producto que aporte originalidad y atrevimiento, no es tarea fácil. Ben Sidran, "el maestro", ha conseguido en "Dylan Different" captar el espíritu de la música y letras de Bob y acomodarlo a su manera de interpretar sin tener que hacer extraños equilibrios sobre un repertorio difícil por la intransferible personalidad de su autor.

Lejanos los tiempos de la Universidad de Wisconsin, Ben siempre ha sido un referente clave para la música americana en general y el jazz en particular, acreditando una trayectoria que abarca todos los campos imaginables (compositor, intérprete, productor, escritor, periodista musical, director de sello discográfico). Su inquietud intelectual, aspecto que no pasa inadvertido para cualquiera que hable con él cinco minutos, ha sido determinante a la hora de investigar y conocer el desarrollo y evolución de la música americana, desde sus raices hasta hoy.

En su nuevo proyecto, Ben Sidran "reinventa" a Dylan a a través de algunos de sus "clásicos" más reconocibles como "Blowin In The Wind", "Knockin' On Heaven Door", "Highway 61 Revisited", "Tangled Up In Blue" o "Ballad Of A Thin Man", entre otros. Hace poco tiempo, celebrábamos la edición de "Cien Noches", que incluye la versión en directo desde el Café Central de "Gotta Serve Somebody", procedente de aquel gran álbum de Dylan titulado "Slow Train Coming"(79) , que significó su gran éxito de ventas en España y que ahora puedes escuchar en la versión de estudio en "Dylan Different".

"Highway 61 Revisited"

"Something Grand" (DVD) / Madeleine Peyroux

2009-10-28T18:40:00.004+01:00

Grabado en un pequeño club de Los Angeles en Enero de 2009, "Something Grand" es el primer DVD de Madeleine Peyroux. En este concierto de ambiente íntimo a ideal para su puesta en escena, interpreta los éxitos más representativos de sus cuatro maravillosos discos editados, abriendo con el tema de Leonard Cohen "Dance Me To The End Of Love" y cerrando con el recuerdo a Edith Piaff y "La Vie En Rose", siendo el resto de los temas de su propiedad.

Otro de los aspectos destacables del DVD es la inclusión de cinco temas interpretados en acústico y un "retrato-documental" en el que interviene su madre y el productor Larry Klein, entre otros personajes. Desde su comienzo en el 96 con su álbum "Dreamland", la progresión a todos los niveles de Madeleine ha sido espectacular y su gran popularidad y éxito en todo el mundo ha sido consecuencia de su gran calidad como cantante y compositora. Original, sin adoptar ninguna "pose" de estrella y "natural" como la vida misma, Peyroux nos ha conquistado a todos con su música.

"Songs And Stories" / George Benson

2009-10-19T16:02:00.000+02:00

"Songs And Stories", el nuevo disco de George Benson, parece estar hecho para avivar la polémica y el debate sobre una de las figuras más importantes del jazz de todos los tiempos. Su música ha sido clave en el desarrollo y evolución del jazz a través de una fiel audiencia que, probablemente, nunca hubiera llegado a posibilitar el auge de este estilo de no ser por la habilidad de músicos como George Benson, capaces de llegar con su discografía a sectores muy amplios, algo reservado a las estrellas del pop. Por otro lado, en la música discos de George Benson, desde los 80' hasta hoy, ha predominado su faceta de cantante por encima de la de músico, algo que no gusta nada a muchos de sus seguidores. Yo siempre he afirmado que Benson canta mucho mejor de lo que afirman sus "enemigos" naturales y peor de lo que él se cree. Lo cierto es que a partir de los 70, tal y como él me contó en un "Informe Semanal" que realicé hace ya muchos años, el éxito de "This Masquerade", propició su incursión en el ámbito de la canción melódica como cantante y esa experiencia ha marcado su forma de hacer música en las últimas décadas.

Ahora y a una edad a la que se puede permitir casi todo, George Benson ha decidido "desempolvar" algunos de sus éxitos favoritos de autores como James Taylor, Bill Withers, Donny Hathaway, Marcus Miller (co-productor del disco), Christopher Cross, Tony Joe White o Smokie Robinson en "Songs And Stories", su nueva producción musical en la que está acompañado por nombres que se han hecho un nombre dentro de la fusión, a saber, Greg Phillinganes, Toninho Horta, Tom Scott o el propio Marcus Miller.

"My One And Only Thrill" / Melody Gardot

2009-10-06T18:56:00.004+02:00

En "Worrisome Heart", su anterior disco, Melody Gardot ya apuntaba alto en cuanto a sus posibilidades como compositora y cantante. Del gravísimo accidente que sufrió tras ser atropellada por un automóvil cuando paseaba en bicicleta, supo buscar su lado positivo y es ahí justo cuando descubre los efectos beneficiosos de la música al iniciar una larga rehabilitación al lado de una pequeña mesa de mezclas al lado de su cama. El resultado es "The Bedroom Sessions", un primer "apunte" discográfico en el que Melody confirma su calidad partiendo de una forma de hacer jazz atípica en el que la influencia de las clásicas (Billie Holiday, Ella Fitzgerald o Nina Simone) mezcla con otras procedentes de autores como Tom Waitts, Joni Mitchell o Rickie Lee Jones).

Larry Klein, el productor de "moda", ex marido de Joni Mitchell y casado en la actualidad con Luciana Souza, ha sido el músico encargado de realzar y sacar el máximo partido a la creatividad sin límites de Melody Gardot, ejerciendo como músico (bajista), ingeniero de sonido y productor. Los arreglos orquestales de "My One And Only Trill" han sido realizados por otro músico de gran categoría como es Vince Mendoza. Nadie como él sabe conseguir un mismo ambiente para todo el disco. Las composiciones corresponden todas ellas a Melody, excepto una versión libre del clásico "Over The Rainbow", interpretado en clave jazz-bossa y de manera muy distinta a como hemos escuchado este estándar a lo largo de las muchas versiones que se han realizado.

Melody Gardot, sin temor a equivocarme, puede ser una de las primeras grandes divas del jazz del siglo veintiuno. La intensidad con la que aborda sus canciones, el sentimiento a flor de piel, su originalidad como cantante, han eclipsado por completo el hecho de iniciarse en la música como terapia de recuperación de ese grave accidente que, afortunadamente, ha pasado a un segundo plano en su vida.

"DBIII" / Dean Brown With Dennis Chambers & Will Lee

2009-09-30T19:18:00.005+02:00

Dean Brown es un músico atípico que inició su discografía tras veinte años ininterrumpidos de colaboración con algunos de los músicos más destacados del ámbito jazz-rock. Su primer disco "Here", editado en 2001, sorprende por ser una sensacional producción musical en la que Dean se "desenvuelve" a la perfección al lado de grandes músicos con los que él había trabajado en el pasado y cuyos nombres están entre los que cambiaron el curso de los acontecimientos dentro de ese estilo llamado jazz, ofreciendo una perspectiva menos clásica y más acorde con los "nuevos tiempos" (Billy Cobham, Brecker Brothers, Marcus Miller, Bill Evans, David Sanborn y George Duke. Ahí es nada, pero tampoco es fácil tocar al lado de tan importantes músicos y Dean Brown lo hizo con una solvencia digna de lo gran músico que es.

Dos años más tarde, su segundo disco titulado "Groove Warrior", afianzó su personalidad musical como lider en torno a un proyecto más homogéneo centrado en la asociación de funky, rock y jazz. En la actualidad, Dean Brown te ofrece un disco en directo desde el Cotton Club de Tokyo en compañía de dos músicos que se acoplan perfectamente a su perfil de músico. El baterista Dennis Chambers, a los 18 años, ya tocaba con Parliament y Funkadelic. En los últimos años, ha sido ese músico imprescindible que Carlos Santana incorporó a sus discos y giras. Su manera de tocar es todo un espectáculo de energía, fuerza y rotundidad unidas a una gran técnica.

El otro componente del grupo es el bajista Will Lee, músico titular del Show de David Letterman y "artista" que sabe dotar al bajo de espectacularidad y protagonismo. Sonido compacto y, por cierto, excelente calidad de grabación para este tercer álbum de Dean Brown, un disco sin limitaciones estilísticas y en el que los tres músicos están a la altura que se espera de ellos.

"Round Silence" / Wolfgang Haffner

2009-09-21T16:06:00.007+02:00

Wolfgang Haffner es uno de los mejores músicos de jazz contemporáneo a nivel europeo. El baterista alemán, componente del grupo Metro y ex-miembro de la legendaria banda Passport, sabe aportar su gran calidad y talento a cualquier proyecto que se le presente, bien como músico de sesión o realizando sus propios discos. En el pasado, Wolfgang ha trabajado junto a Chuck Loeb, Till Brönner, Randy y Michael Brecker, Roy Hargrove, Bill Evans, Roy Ayers, Michael Franks, Hiram Bullock, Will Lee, Cassandra Wilson, Joe Sample y una lista interminable de grandes artistas de jazz. Su "efectividad" al lado de todos ellos le ha reportado un nivel de reconocimiento muy importante fuera de Alemania y, tal cantidad de colaboraciones, no le han impedido poder grabar sus propios discos, casi todos ellos conceptuales y en los que Wolfgang pone de manifiesto su verdadera personalidad musical y lo que realmente a él le gusta hacer.

Jazz contemporáneo en diferentes versiones ha sido la constante de su anterior discografía y también de su nuevo disco "Round Silence", cuyo título viene del tema que abre el álbum, todo un prodigio de composición para el protagonismo de Dominic Miller, guitarrista de Sting. Temas como "It's Not Safe", junto a la cantante Kim Sanders, "Azul" o "Left Side Of Field" pueden ser continuación del lenguaje musical que Wolfgang planteó en sus dos discos anteriores "Shapes" y "Acustic Shapes". El jazz-bossa, uno de sus estilos favoritos, también surge en este disco en "The Space In Between", uno de mis temas predilectos y que, en versión distinta, "mi amigo" ha compuesto para servir de introducción a Top Vivejazz. En "Tubes" y "Nightsong", Wolfgang ha buscado la sensibilidad de dos grandes músicos, el trombonista Nils Landgren y el guitarrista Chuck Loeb.

El pianista Hubert Nuss y el bajista Lars Danielsson forman, junto a Wolfgang, la base de un proyecto al que se van sumando los músicios ya comentados y otros cuya aportación raya a gran nivel. Me estoy refiriendo al trompetista Sebastian Studnitzky y al percusionista Ernst Ströer. "Round Silence" es uno de esos discos que se disfruta al escucharlo y que nos reafirma en las posibilidades ilimitadas de Wolfgang Haffner, un músico diferente.